妈咪

xavier,记得等我。

若让我选出我最喜欢的年轻人，现在我只会选Xavier dolan，想一想，我离成年不到几个月了，而Xavier已经25岁了，在19岁时，dolan已创造出天才之作《J'ai tué ma mère》。

的确，若让我列出几点我最欣赏Xavier的地方，那便是1.成就了安妮杜尔瓦勒的母亲形象.2成就了苏珊娜·克莱蒙如母亲般的形象，（尤其是在妈咪中，超市里看到史蒂夫割腕躺在地上，因为失语症发作，话语卡在了喉咙中，头上青筋暴起，最终只能用惊叫求助。

也正因为这一幕，整部电影似乎被带领到了一个新高度）3.自编自导自演自剪的让我可望不可即的能力4.还有很多...在接近午夜两点多，看完电影，加上下午浓咖啡曼德琳的后劲，脑子的兴奋无法克制，只能通过幻想电影场景来催眠，但似乎越想越激动，后来睡不着 ，上网又看了看67届戛纳颁奖评审团大奖时，Xavier获奖时的表情以及众人起立鼓掌的场景让我更难以入眠，后来折腾来折腾去，就什么都不知道了...有人评论Xavier的《妈咪是他迄今为止最成熟的一部作品。

但是在前半段，夸张的剪辑，炫技的慢镜头，莫名其妙的配乐，让我作为观众而言，觉得Xavier的确暴露了自己“初生牛犊不怕虎的‘’肆意妄为，甚至有想放弃观看的冲动。

到了第二天硬着头皮看着电脑，随着剧情的发展，从卡拉ok的矛盾争执开始，史蒂夫与戴安情感不断推向某个方向 ，忘了在哪个瞬间，似乎有种化学反应使那夸张的一切升华到了一种令人震惊的高度，那时的我，似乎发现Xavier真的质变了，他创造出了一种风格，一种毁坏和谐之美感然后到达一种更有感染力的，更有力量的美学发明，不知道可否用”置之死地而后生“来形容（当然观众要有足够的耐心以及对Xavier足够的了解），那是一种超越个人情绪表达的风格。

对着电脑屏幕，我眼睛热泪盈眶，一种发自内心的震撼。

Xavier质变了。

Xavier已展现出自己独特美感的大师水平。

——在配乐方面Ludovico Einaudi的配乐在三人乘汽车开往美国的片段，开始时我想笑，原来Xavier也没那么讨厌古典的那一套（当然并非说ludovico的是纯古典风格），一开始我觉得配乐显得有些突兀（或许与我本身愚蠢的嫉妒心理有关），到后来愈发感觉相得益彰，而在影片最后的lana del ray的born to die,我心里情不自禁的想”真会玩“。

当然在了解到Xavier在许多电影节斩获无数时，我又有些失望，就像电影场景那样，戴安对于史蒂夫那理想化未来的恐惧，而我对Xavier也有相似的情感。

在电视采访中，Xavier与安妮 杜尔瓦勒作为嘉宾，主持人问Xavier以后还会以母亲作为灵感吗？

Xavier回答说：”母亲是无尽灵感的源头“，然后又望了一下安妮，我想，这也是一番感动。

关于其他技术性的评论因为自身知识贫乏得很，也使得我写的东西只能成为个人的一些观影感受，当然，以后谁知到呢。

（明年北京电影学院）就先写到这吧。

anyway，Xavier dolan,记得等我。

导演、编剧泽维尔·多兰之前拍过一部《我杀了我妈妈》，擅长这类母子相爱相杀的题材。

《我杀了我妈妈》中的少年是一个GAY，《妈咪》中的少年是多动症患者，经常无法自控做出暴力行为。

泽维尔·多兰长着一张偶像剧的面孔，却有一颗不走寻常路的内心，关注的都是少数派人群。

明明可以靠脸蛋混饭吃，却偏偏要靠才华，这次《妈咪》，他甚至都没有参演。

《妈咪》中的妈咪，儿子患病，失去了丈夫，被公司解雇……但被命运如此对待的她，却并没有露出丝毫苦兮兮的面孔——这绝不是催泪的煽情大片。

这个妈咪抽烟喝酒满口飙脏话，性格坚硬，开场不久她就和儿子分享同一支烟……让人同情不起来，当然她也不需要同情。

然而另一方面，她宁愿自己搬去新的地方和儿子一起生活，也不愿将儿子送去拘留中心；为了给儿子请律师，她主动约明显对她有意思的中年律师出来吃饭唱歌，但是那个律师敢冲她儿子吼、甩巴掌，她就立刻甩回律师一巴掌……泽维尔·多兰用了很多细节来表现他们特别的母子关系。

比如他擅长的对骂，甚至对打。

少年买给妈咪的“妈咪”字母项链，前面因为母亲怀疑他偷窃而在争执中散落，后面却一直戴在她的脖子里，直到电影结束。

还有那段厨房中的舞蹈，让人想到王家卫的《春光乍泄》。

泽维尔·多兰的音乐用的一如既往的好，那些流行乐，都镶嵌在它应该出现的地方。

还有画面。

泽维尔·多兰有自己的审美，《我杀了我妈妈》中他喜欢让人物在屏幕右侧出现，每一帧都仿佛是“电脑屏保”。

而《妈咪》，很长时间都是1:1的屏幕，像现在流行的微信朋友圈照片。

然后中间有段，少年在街上玩滑板，玩得开心了，对着银幕打开双手，屏幕也随之打开到正常大小……那一段真是太令人惊艳了。

还有一段惊艳的戏是没有台词的。

在音乐的陪伴下，少年考上一直想去的音乐学校，离开母亲，然后结婚，婚礼上母亲笑着和大家一起打招呼，然后少年当了爸爸，母亲做了奶奶……再然后下一秒，响起少年画外音：“妈咪，绿灯了！

”一切美好戛然而止，原来都只是一场梦而已。

跟导演的处女作如出一辙，描述母亲与儿子之间又爱又恨的矛盾关系。

发现只要导演没有亲身上阵，自恋程度立即会下降不少，客观地说这部也是我看过的Xavier Dolan这么多部里面最好看最深刻的一部。

最吸引眼球的莫过于画面比例。

大部分场景将人物的面孔和动作死死地限制在1比1的小方块里，让观众目不转睛地留意着演员们的演技发挥，母亲与儿子的对戏最为耀眼：语言、肢体、情感冲突不断的场面比比皆是，女主角Anne Dorval的演技实力让人惊讶。

同时这种小画框的设计也暗中对应着这对母子的命运，注定是一场无法自由舒展的悲剧。

明显地，两次画面变形拉长的场景都是主人公心理变化的契机描绘，第一次儿子推着购物车在大街上伴随着Oasis的Wonderwall，淋漓尽致地展现出他欣喜若狂的心境，如在电影院看的话，这一幕必定全场欢呼不断；另一场则是接近全片高潮，母亲在车里幻想儿子不断成长过程中的幸福片段，也是让人唏嘘不已的一幕。

在打破电影常规形式方面，Dolan实在具有天才般的创造力。

不过，影片的缺点和优点同样明显。

首先是节奏很有问题，感觉很多场景不够精炼，反复啰嗦的对白砍掉三分之一效果会更棒。

留白的空间欠缺，令大部分情节沉浸在狗血般的吵闹和对骂里。

其次则是见仁见智的音乐了，尽管相比起过往的几部作品已有所收敛，不过歌曲部分仍觉得太满，令部分段落看起来像是MV，这无疑令影片的整体连贯性大打折扣。

话说回来，Dolan的音乐口味实在令人无话可说，很多歌曲都让我听得津津有味，除了刚才提到的Wonderwall，还有Dido的White Flag、Celine Dion的On ne change pas和结尾的Born to Die。

提到结尾这场，不得不说，这是我最近几年来看到最震撼的电影结局。

当Born to Die的乐声一响起，男主角挣脱掉医院护工，飞奔的慢动作招牌场景一出现，画面就立即黑屏，整个悲剧的力度再次提升，让观众为人物唏嘘的同时，也不得不钦佩这位天才导演的想象力。

实话是冲导演来看的，泽维尔多兰从没让人失望过。

电影开头到结尾，每一个细节都值得绝对值得回味细琢。

也不会写影评什么的，总之我认为给到人真正切身或者不一样的感受就是好电影。

带来的是一些新视角甚至是加入一些新东西到你对世界的看法中。

显然这部电影完完全全实现了电影的作用，通过影像、音乐、表演传达导演的思想，思想观念能有共鸣与灵魂找到契合处，无疑最能得到精神的满足。

斯蒂夫割腕的时候问戴安“我们依然爱着彼此，对吗？

”，戴安一边搀扶起他一边说“那是我们最擅长的事。

” ——对爱的确认成了戴安最终决定接受S-14法案的安排的诱因，也对自己接斯蒂夫回家时候绝对不会把儿子送到公共医院去的宣言狠狠地戳了一刀多可笑啊，爱成为了分离的借口，法律给了个人责任的缓减的同时也给了爱以退路，爱却成为了因为退路的存在来的关乎背弃的折磨斯蒂夫一直在学习爱、模仿如何去爱戴安穿着紧身喇叭牛仔裤、厚底高跟鞋、花纹上衣，涂着靓丽的指甲油，就连钥匙扣上也是花花绿绿的扣环，签字的小笔还镶着假钻，所以和戴安在一起的斯蒂夫戴着银色的粗项链、穿着花色的衬衫和打底的白色背心、玩着滑板把超市的推车推回家给妈妈带去刻着Mommy的字母项链，两人对着彼此粗话连篇，但是每一句后面都好像是我爱你，而去掉那些字眼，戴安的话语和一位正常的母亲其实也并没有什么差别啊；每一次拳脚的争吵容易带来斯蒂夫情绪的爆裂，而这也是戴安作为一个母亲组为一个女人最无力的地方，爱的确定成为了最好的镇定剂凯拉留着齐耳的深姜黄色短发，总是穿着朴素的牛仔厚外套与平底鞋，戴着一长一短两条项链，因为失语症所以并不能总是流畅的说出自己想要表达的话语，甚至在被斯蒂夫挑衅的时候暴怒也只能爆青筋地给出简短的警告，作为一个朋友，她比戴安略有盲目的母爱更有底线，所以斯蒂夫才能真的在这位高中老师的教导下学习教材；面对凯拉，斯蒂夫是依恋的，他学着凯拉的结巴在凯拉丈夫的面前与她交谈或许只是为了表达自己对于凯拉的尊重；三个人的微妙平衡在戴安签订S-14法案协定后破裂，全心全意的爱毕竟还是因为身份的阻挠和家庭的责任而止步不前——作为邻居的凯拉对于戴安关于儿子的决定并没有什么发言权也没有立场指责如果困苦而多舛的人生总是自带着BGM的话，我希望那首歌总是关于爱的不知道戴安对于斯蒂夫毕业、恋爱、婚姻还有生子的想象是基于多动症的儿子能在凯拉的帮助下开始学习课程这一既发事实，还是基于儿子将会被送入公共医院进行治疗这一即将到来的事实，然而不得不说那一段不真实的模糊确实是整部影片里难得的暖色笑颜可惜镜头的比例变化都在告诉每一个人，那不过是假象，那不过是想象不管出生于怎样的家庭、不管有着怎样的曾经，一个人仍能因为自己的努力而建立起自己的眼前世界，人类的情感和经历毕竟存在着使命般的共通性，他们能在毕业的时候激动做鬼脸、他们能在介绍爱人的时候紧张羞涩、他们能在触碰新生儿稚嫩手掌的时候小心翼翼、他们能在每一次庆祝的时候录影留住每个人的幸福笑脸——这是斯蒂夫对于美国茱莉亚学院的愿景，也是戴安模糊想象的根据多好啊，想到这困苦的人生也能因为宿命的设定而有那么几个精彩并且轻松的时刻，这个想法本身就值得庆祝了吧Learn to love and toast to love.PS: 斯蒂夫被医护人员围住喊出MaMa的时候、Mommy的锁骨链在黑暗中闪亮的时候，就会想到海报上斯蒂夫对戴安的吻，妈妈我爱你啊

多兰之前的电影包括短片我都看过，也算是个多兰粉了。

本来企鹅版出来的时候我听说这个版本没有画幅改变，我想着干脆就等蓝光吧，可今天实在是忍不住就直接先一睹为快了。

首先，这部电影在某些地方还是跟范桑特太像了，美少年路人甲，流云还有深紫色调的镜头，当然这也不能说是范桑特的专利，这比《幻想之爱》里直接单拎出一段来模仿《爱达荷》要好得多。

不过，多兰确实从处女作 杀妈 开始就一直有明显的其他电影的影子，虽然他本人只承认对王家卫进行过效仿。

妈咪继承了多兰电影的一个很好的优点——他的审美。

这也是他之前除 杀妈 外的影片最大的看点。

《幻想之爱》中的主角们色彩浓艳的服装和彰显小资气息的室内布景在为影片增色不少的同时也让蛋疼的剧情不是那么的煞风景，那部电影中最让我印象深刻的便是那把手小到连跟手指都伸不进去的茶杯。

而在此之后的《双面劳伦斯》更是可以用风情万种来形容，至今难忘那紫色的风衣。

《汤姆的农场旅行中》多兰更是在片尾演职员名单中给自己打上了"服装设计"的标签。

虽然在影片冷峻的气氛和阴暗的色调使得他的个人审美收敛了不少，但从汤姆的金边拉链大衣中还是可以看到多兰自己的创意。

这次《妈咪》一点也不示弱，虽然少了 劳伦斯 的贵族气息和 幻想之爱 的小资气息，影片的每一个镜头仍然美得无法挑剔，而且相对于 杀妈 的可以强调构图和 劳伦斯 中过量的特写镜头，这部电影的摄影已经显得非常自然。

妈咪的故事我认为是多兰的电影中讲得最好的，并且把握住了"自由"这一主题，虽然说表达得未免也太直白了点。

这次故事讲得好有一个原因就是"MV桥段"的比重降低，并且与剧情协调得很好，像结尾简直就是神来之笔。

像 劳伦斯 就是因为又想讲好一个格局偏大的故事又想让好音乐得以保留，再加上多兰自己并不成熟的剪辑技术，使得影片虽然在我看来依旧精彩，却早已失控。

而多兰的 杀妈 作为处女作也确实是他所有作品中最老实的，前半段几乎是在耐心讲故事，后半段才开始出现大段的"MV桥段"。

当然了，杀妈从一开始就把母子关系恶化的原因道出确实也让剧情看点变低。

这次剧情好的另一个原因就是苏珊娜·克莱蒙这个角色。

她恰到好处的出场，不仅调和了母子二人的关系，而且也让剧情本身和杀妈的相似程度大大减小。

尽管 妈咪 在戛纳电影节收获逆天好评，但这不代表这部电影是没有缺点的。

而其缺点就是我前面说的表达太过直白，并且严重缺乏镜头语言。

多兰把自己想讲的一下子全让演员门用台词说出来了，让观众一点思考余地都没有。

唯一能让观众通过台词外感受到的也只剩下画幅改变了，更何况我看得这个版本又不变画幅。

但这也让我对多兰多了期许，因为他的进步空间还很宽敞，更重要的，他能很快意识到自己影片中的问题并加以改正。

在 妈咪 里我已经看不到刻意到甚至呆板的构图，过多的音乐以及神经病一样的剪辑了。

这次多兰所选的音乐可要比他的前几部作品大众化许多，像绿洲的Wonderwall以及我打雷的Born to Die。

这倒是表现出多兰不装逼的特点。

他确实是没有刻意地去追随内涵深度，也没有去选什么小众到大部分人听都没听过的音乐，现在的他只在乎音乐与剧情的契合度，像Wonderwall就把人物情感烘托到了喜悦的高潮，也使得之后突如其来的转折更加震撼人心。

在影片接近尾声时男主角Steve伴随着Born to Die在精神病院看守的追逐下奔向自由也充满了悲壮感。

不过对于结局我不得不说与《四百击》很相似，两位主角同样被母亲抛弃并被监禁起来，同样在最后享受着暂时的自由。

影片的片名也很有意思，叫"Mommy"。

对 母亲 的称呼可以有很多种，而多兰却恰恰选择了这个单词作为片名。

按照多兰在某访谈的解释，他说"Mommy"更像是小孩子对妈妈的称呼。

而影片中的Steve也确实一直没有长大，16岁的他会在逛超市的时候旁若无人地对自己母亲撒娇，会被Kyla的暴怒吓得尿裤子，会在与家人激烈争吵后跑过去道歉。

如果不是因为他的多动症给他带来的麻烦，也许他真的会像自己妈妈想象的那样被心仪大学录取并且结婚生子吧。

综上所述，多兰的 妈咪 虽然并不能说是大师级作品，但他一直在进步，而且进步空间依旧很大。

这次终于是讲好了故事，彻底没有了5年前的青涩，逐渐成熟了起来，这也是为什么我说现在的多兰既熟悉又陌生。

就像旁观者听到自杀的人自杀的理由感到值得吗、真荒谬一样，我无权评价《妈咪》里的妈妈戴安是否真的尽力做好了一个妈妈，她有她的立场，她过她的人生，她有她的感受，别人再怎么想介入也无能为力。

我始终觉得我有必要做一个更好的妈妈，同样的，希望戴安可以收敛一点光芒，像邻居凯拉一样找到和患有多动症的儿子的沟通方式，从而实现儿子上美国茱莉亚音乐学院的梦想和自己在电影末段里幻想儿子顺利毕业结婚生子的想象。

电影隐晦地暗示了恋母情结？

儿子在和戴安争吵之后亲吻了戴安，戴安什么也没说转身走了。

单亲家庭长大的男孩想要和普通人一样平平凡凡地过日子是不是很难？

电影再没给任何答案。

我在背景资料里看到这样一条：这部电影最大的亮点在于全片采用了1:1的屏显比例以及两次神一样的画幅变化，可惜在我看的版本中并没有显示。

什么意思呢？

简单说，就是用屏幕显示比例的变化烘托人物情绪的变化。

至于1:1的比例，看惯了16:9屏显的我并没觉得有什么不适，就是视觉上感觉像立着的长方形，尽管我特意拿尺子去量了确定是长等于宽的1:1。

又一个开放式结尾，这次我宁愿它不开放，给我一个有点希望的结局。

一曲爱的悲歌——基于对电影《妈咪》一些细节的认识不反对从导演的个人的生活经历和他以往的作品风格来分析这部影片，但我总觉得，电影不可能仅仅是个人生活经历的复制，更不会是以往作品风格的简单重复，否则电影就称不上是艺术，因为“复制”和“重复”是艺术的大忌。

我在看完本片后一直问自己的问题是，如果我是那位母亲，我会怎么做？

是认同这位母亲的做法还是反对，我无法表态，我只想强调我的感受，这是一曲爱的悲歌。

《妈咪》的确保持了一种三角平衡关系，但可不是什么“三角恋”，即使我们似乎隐约看出了男主角斯蒂夫（Steve）有“恋母情结”，但斯蒂夫及其母亲黛安（Diane）与他们邻居凯拉（Kyla）之间并没有任何“恋”的关系。

其实凯拉是基于“移情”才走进他们母子世界的，因为，从凯拉家摆放的相片看，她应当有一个和斯蒂夫差不多大的儿子。

影片虽然没有交待她的儿子去哪儿了，但从她两年前才得失语症似乎可以推断，她失去了这个儿子，而她丈夫的面部表情、他们多次搬家以及她丈夫对女儿的关爱可能也是这一不幸事件的结果。

此外，凯拉一直戴着两个项链的。

当斯蒂夫轻佻地拉下她颈部的一个心形项链时，凯拉表现出异常的愤怒，这似乎也能证明上述观点，她在维护一种尊严以及儿子对她的“爱”。

正是将对儿子的感情“移”到斯蒂夫身上，凯拉才愿意走近斯蒂夫这个有病的少年，他所表现出的一位母亲的耐心，甚至超过了斯蒂夫的亲生母亲黛安。

而她也只有在面对斯蒂夫的时候，她的失语症才有所缓和，她也才能得到在她自己家庭中无法得到的快乐。

之所以说本片是一曲爱的悲歌，是因为所有剧情冲突几乎都围绕“爱”这个主题，而且都以某种悲剧形式收场。

首先，影片结局的悲剧设定是合理的。

这不是因为导演站在了现实的一面，而是因为这样设定才符合逻辑。

虽然说影片三位主角维持了一种三角平衡关系，但这种平衡是极为脆弱的。

即使黛安不将儿子送走，平衡也无法维持，因为凯拉必定是要离开的。

她的丈夫不能容忍自己妻子的这种“移情”，前一次搬家本来就是为了让妻子忘却，当此目的无法达到时，再次搬家就不可避免。

所以，无论凯拉先走还是后走，悲剧结局都会是一样的。

其次，斯蒂夫与母亲三次主要冲突都是因为“爱”得不到理解或正确回应的结果。

第一次是斯蒂夫以“爱”的理由说服别人送他礼物，他转送给母亲时，他的母亲以为是偷来的，这种不理解直接刺激斯蒂夫达到颠狂状态。

第二次他阻止母亲出卖灵魂以换取律师为他纵火事件辩护，结果由于闹走了律师，斯蒂夫被他母亲一顿数落，这导致他一夜未归，继而又怀疑母亲对他的爱而想割腕自杀。

第三次，斯蒂夫接受治疗后，他以正常人的口吻表达对母亲歉意和依恋的电话，却进入了他母亲的语音信箱，这再次刺激斯蒂夫的死意，最后奔向了那道自由之门。

第三，黛安作为一位母亲，她未能正确表达爱和未能细心体会儿子对她的爱，是造成悲剧的非常重要的原因。

对于黛安与其子斯蒂夫之间的相互行为，我们都能以爱的理由来解释，即使黛安最后将儿子送到精神病院，也可以被解释为她想保存希望，避免儿子再次自残。

除了现实的残酷外（她无法对付民事索赔），黛安的确不理解自己的儿子。

在三次主要冲突中，她都可以换个方式来回应儿子的“爱”，但她却选择了直接刺激的方式，而且在冲突中，斯蒂夫好像都没错，她也未反思自己的行为，最后送走孩子倒有点像要逃避，反而找了一个“爱”的理由。

说她对于儿子的“爱’太不够细心，应不算冤枉她。

导致斯蒂夫想死的主要原因虽然可以解释为他开始怀疑母亲对他的爱，事实上，真正原因是他亲吻母亲行为被母亲简单推开了。

或许有人认为这就是所谓的“恋母情结”或不伦之恋，其实这可以认为这是斯蒂夫安全感严重缺失所致。

斯蒂夫以前仅仅是多动，但小偷小摸，具有攻击性，搞破坏的行为是自三年前父亲离世后才开始的，缺少了父爱甚至父亲不够强大都会影响孩子的安全感。

在他仅剩母爱的情形下，他对母亲就极为看重，所以，当母亲可能要吃亏时，他会像男人一样来保护母亲；当母亲不理解他时，他会非常难受。

他极为注重安全感，他认为自己想得到的也当是母亲想得到的，所表现出的亲吻行为只是他想加强母亲的这种感觉，或者让母亲感到，他跟她才是一伙的。

然而，母亲推开了他，他自然认为母亲不需要他，这种不需要又加重了他的不安全感，这就是他感到母亲不爱他的真实理由。

本片开始不久，那个帮教中心的老太跟黛安说：“别把你儿子和你自己想得那么坚强，那是你能干出来的最坏的事，光是爱一个人不代表你能救他，不幸的是，这件事上爱也没用。

”这似乎是本片所要表达的主题。

但我认为，在这种事上，与其说“爱”救不了斯蒂夫，不如说这是不正确的爱的结果，真正的、有耐心的、用心的爱始终是能起作用的。

（作者：石板栽花，转载请保持文章完整 2015-04-26）

影片最开始的时候母亲的签名或许就是个暗示。

男主最后的奔跑是对自由的向往，也是他觉得自己有能力去照顾妈妈。

那是他对妈妈的爱。

相对应的，妈妈对男主的爱也绝对不仅仅表现在容忍他的多动症和古怪的脾气以及他自杀未遂的心上，妈妈说，我对你的爱会越来越多，而你对我的爱只会越来越少，我不否认前面的话，正是因为妈妈对儿子深挚的爱，才会将男主送往医院。

而上面提到的男主对自己能力的信任和对妈妈的思念迫使他想要马上挣脱那个束缚，因为毕竟他是笑着的，也出于对妈妈的偏执而激烈的爱。

而1:1的运用，我只能说多兰是相当大胆的。

不仅是对摄像的挑战，更是对演员的挑战。

在这样狭小的空间里，演员的表演便得到无限的放大，我们可以清楚地去揣摩他们的挣扎和呐喊——想要逃出这样的生活。

第一次开屏的时候被惊呆了。

男主在滑板上用手拉开了整个画面，然后整个色调、音乐等都变得明朗起来。

那才是他们本应有的生活。

第二次是妈妈的沉思。

对美好未来的憧憬，一个正常的孩子就可以享受的生活，直到每个人的脸开始虚化，紧接着整个画面开始虚化，然后又变回了暗色调、低音乐。

之前看布达佩斯的时候就很惊讶于韦斯对镜头的处理和运用，而多兰这里显然赋予了这样的镜头更深层次的含义。

他们是一群市井小民，是社会底层的人物，他们也在挣扎着想要生活，想要更好的生活；然而他们的理想都是不真实的，至少是短暂的。

邻居最后又变回了原来的样子也是一种隐喻吧。

一切都变回了原来的样子，就仿佛他没回来过。

而最后的Merci作为一种既定的默契再次体现出来，邻居的离去也就加深了妈妈的孤独之感。

打雷姐的歌出来的时候，就泪目了

Mommy看完之后感觉无所畏惧。

希望。

“母亲和女人的形象往往更有趣和复杂，给予我创作的欲望，我更愿意把话筒递给她们，让她们宣泄，让她们赢得这场战争。

”“尽管，确实，现实生活中不总是她们赢。

”（ 2014.10.导演做访谈节目« On n’est pas couché»的嘉宾） 对我来说，这部电影就像对青春的纪念。

感谢他用艺术的方式，记录那个冲突和宣泄。

观影感觉，就是心门打开。

我想和他说，我懂你的呀。

电影给人的启发有很多种，有的讲道理，有的给你新视角，但是这一部对我来说，就是真实。

艺术化的真实。

我活到这么大，如果想讲一件事，那就是导演在这部电影所里讲的，这一件事。

导演获大奖后很火，在法国横扫杂志封面。

他说去个地方，人们尖叫、哭泣，高喊 «Merci !!!» 没什么好说的，就是感谢。

他年轻，才华横溢，伤痕累累而无所畏惧。

配乐在电影中的分量很重。

九十年代Nostalgie的配乐。

其中加拿大一枝花Céline Dion的 « On ne change pas »，是男主的mommy, Diane, 和严重口吃的女邻居Kyla关系推进的重要戏码。

三人在厨房载歌载舞，男主Steve对mommy激情四射，过分表达的爱；Kyla注视着Steve，若有所思，似乎让她想起久远的一个谁，电影却也没必要交代；Diane借此机会试探Kyla能否接受她这样的一个儿子，看和她到底能否成为朋友。

音乐有多重要呢？

导演甚至说是围绕音乐写的剧本。

而电影对他来说像个乐章，人物和对话就是音符。

看完电影这几天，我连续重复地听soundtrack，看导演访谈和文章，写出这篇影评。

Steve在阳光下的大乡村滑滑板，和Diane晃神儿的美好愿景。

是我最喜欢的情节。

美好，深刻，又令人唏嘘。

2009年，五年前，导演拍了第一部电影 « J’ai tué ma mère »。

除了导演本人不再出演以外，女主女配都是原班人马。

现在导演学会了用更好的方式讲故事，更美，更易于接受，更加深刻。

他说曾经他以为真的想 « tuer sa mère »， 但这一次通过Mommy，是让«mère »雪耻。

哈哈。

其实故事是一样的。

男主原型一直都是他自己。

电影里Steve有多动症，导演本人只是没有确诊而已。

唯一，第一部多了句题眼« Je t’aime »。

是男主对妈妈的爱。

表白出现得毫无征兆，亦如男主的每一次爆发。

男主感情真切，同时也很脆弱，在爱和恨的两极飞快跳转，一触即发。

导演本人就有狂躁症。

他富有魅力，很勤奋，不随和，也真的狂躁。

单亲，同性恋，加拿大，幼年多动症，有暴力倾向。

弱势群体，相对来说是。

就像 « 母亲»、 «女人 » 这些形象。

这些苦难为杰出和伟大铺路。

艺术创作对暴力的导演也是救赎。

基于以上，加之导演本人的勤奋，得以在二十出头交出如此的作品。

太难得了。

那是年老以后达不到的敏感和触角。

真的是部很野的片子啊！

所有的张弛都无所顾虑，野生而犀利。

随心所欲，肆意妄为。

魁北克法语也是真的可土，可土可土了。

希望这部电影可以温暖所有的孩子，在青春期缺失父爱，强撑着想保护母亲，情真意切，又敏感脆弱的孩子；像导演一样。

我也曾经那样。

同样献给所有敢于做梦，努力工作和永不言弃的人，对这样的人来说，一切皆有可能。

这句话太好了，我要放原话: Tout est possible à qui rêve, ose, travaille et n'abandonne jamais. （第67届戛纳电影节获奖致辞）Steve和Kyla让我想起 « One flew over the cuckoo’s nest »里的Billy。

好在结局不同，因为年代不同了嘛！

所以，甜食你到底是吃tarte还是crumble？