三块广告牌

目前2018奥斯卡BP最佳影片赢面最大。

值得观看。

一片面面俱到、剧透得彻彻底底的影评。

标题是我起着唬人的喂。

3月2日全国艺联院线上映，大家可以自行选择。

本片的精妙之处在于恰到好处地平衡了各种社会现象的表现篇幅，看似各个方面都是轻描淡写，却以致实现在一个完全虚拟的故事环境下，还原真实的社会生态：社会潮流和个人自身生活的联系，是若有似无、却又无所不在；对于社群间的人际关系，则是理不清又无处回避。

1. 叙事构架和基础——「真」故事发生在「假」环境故事背景的时空选择上，「三块广告牌」发生在密苏里一个叫Ebbing的虚构小镇上。

回想一下，这是否是一个常见的故事假定前提？

这种人为假设往往有几个共性：地点虚构：密苏里是真实存在的，民国的西南大后方（国产片很爱用的时空选择）是真实存在的，但创作者又把虚拟的具体地点安营扎寨在真实环境中。

相对封闭的空间性：整个故事都基本都在这个场景下发生，有点独幕剧的意思；场景外界的影响少而间接，只作旁白式的交代，例如他去重庆了，他从重庆回来了，并不直接把在重庆发生了什么搬上台，不发生除了虚拟场景以外的地点的直接沟通。

在如此纯粹的环境下，一方面既杜绝了天马行空的脱离现实性，但又保留了对故事起承转合的掌控权；总之，在一块完全的空白画布上，作者得以施展完整的世界观创作。

虽然前面这些写的比较繁琐，但这是创作的第一步；有了这个基础，才能实现交互性这个目的。

现实类的、揭露社会问题倾向的剧本必须在戏剧性和给人可以感知的真实性之间做个平衡，也就是shocking and real并存。

因为场景架空，就必须以充沛的、复杂交错的、尽可能仿真的交互性来实现，I don't know where it happens but I know it's real for sure的目的。

但并不能以单项、中心思想的目的为出发设置各种情节冲突，如同生活本身最多算是螺旋上升的，生活本无从谈起其目的性。

故事有目的，故事创作者以此来表达个人观点；别忘了故事本身可没有是非观、也绝无倾向性。

身患绝症时日不长的警长Willoughby在和女主角Mildred Hayes对质时，因情绪激动无法控制地喷出一口病血；而当他躺在担架被送往医院途中，他却不忘叮嘱下属不要因此为难Mildred.最让人感到有悖常规逻辑的是，Willoughby在身中主动提出帮Mildred支付内容为一个月公开责问自己的广告牌的租金。

Mildred是警局纵火事件的制造者；而Dixon作为火灾受害者，尽管猜测到了纵火的真相，却丝毫不放弃帮助Mildred捉出嫌犯的蛛丝马迹。

Dixon把广告牌出租方Welby扔出窗户造成住院，却意外受到后者慷慨的安慰和关心。

的确，社区容量越小，成员之间关系越显亲密，又爱又恨，既毁了他，又有求于他，种种情感得以重叠在同一个对象身上，就越盘根错节。

我们可以用这样一种解释，情感难言对错；但每个人都在社会中do their own part,这是最付出了多少努力，就能得到多少回报的掌控度较高的事了。

那么回过头来，以评鉴角度来看，为什么我觉得国产片的「驴得水」、「不成问题的问题」太戏剧化了？

在这些影片的情节设计中，都具有浓厚的作者观点性和人为导向性，人的动机和出发点只有一个——那就是实现本片主旨。

人是复杂的，生活是难辨对错的，失去了这一种是非模糊，也就脱离了生活的真实性。

哦还有镜头一动也不动（偷懒）这一点加成。

2. 略略影射：宗教势力对于社会事件的明暗态度本片中出现了社区教父这一角色，出面为Mildred的广告曝光做息事宁人的平息周旋。

这绝对是导演的有意安排，增设的两组对比（另一组在下文），用虚构讽刺现实。

影片中神父来到Mildred家中拜访，希望她撤下广告牌，消除对社区形象的不良影响。

家丑不外扬的出发点，不由让人想到震惊全美的神父亵童案件（「聚焦」取材的真实故事）。

教父想要put it down，仅仅是出于维护社群关系表面和平的关系，却让人联想到可能的更大阴谋。

教会势力不仅对恶行冷眼旁观，甚至可能是恶性的制造者。

反政治正确（一个亮点）有意思一笔在于，有一处Mildred反问警探Dixon黑奴事件处理得怎样了，这里可以理解为Mildred为了在对话中获得先发制人的气势上的优势，抛出了一个对方难以回答的棘手问题，责难Dixon之意大于实际问责的目的。

借机借Dixon（一个传统南方州PD）之口，导演蜻蜓点水般地，有意无意提及了对于有色人种的态度。

如今西方社会对于种族平权的矫枉过正似乎是人人心知肚明，但又是种心照不宣、不敢不随波逐流的过度政治正确。

更讽刺的是，说辞上政治正确了就万事大吉，没人关心虐待事件本身究竟发生与否。

新闻传播中的泛道德化树广告牌本身就是一种寻求曝光和唤起公众认知的做法。

值得注意的是，Mildred第一次接受电视台的直播采访，同样是想借助媒体传播之力。

但到了后程，媒体兴趣和利益发生转向。

Willoughby的自杀是一个绝妙的转折点。

在这个节点上，观众会非常紧张接下来的篇幅是否会描写媒体追逐新闻爆点和民众易被煽动的情绪结合，造就又一出泛道德化的舆论迫害？

本片以画外音（新闻报道之声）点到了这种倾向，Willoughby的自杀原因还未查明，但是否与前几个月Ebbing小镇上对他的公开谴责广告牌事件有关呢？

在此刻，Mildred的心里估计也是十分担心这种舆论发酵的可能性。

但影片的做法依旧是略带一笔，没打算在这个问题上做过多停留。

的确，并不是每一次真相都会被利益性解读，大多数的节外生枝并没有那么猖獗的生命力。

第二次同样在三块广告牌前，同样是摄像机和直播的记者，Mildred这回是开车路过，她毫不掩饰自己对于媒体态度不信任态度。

立起广告牌更多的只是情感的宣泄口，随着故事的发展，Mildred越来越明白，想要实现自己的目的，不得不自己来，借力只能是锦上添花。

3. 人物行为动机：探讨「执着」究竟有无意义同样是女性维权，寻求曝光，不由让人想到发生在90年代中国的「秋菊打官司」，而主角同样是来自小镇的家庭女性。

尽管发生在不同时代，不同国度，这里是竭力找出凶手，后者是要个说法，缺没把现实实行的可行性和达到目的的可能性完全考虑在内。

这种“我不管，这事儿非得XX”的执着较劲的劲儿，我想在女性身上比男性是要强得多（纯客观描述）。

不管执着本身有无意义，还是给自己心理上一个交代（无论结局如何，我都尽力了）。

而故事发展必然是情绪的渐渐平息，片尾Milred说，我们可以在路上再做决定；抗争过程似乎慢慢消耗较劲的能量的过程，如同大吵一架过后的精疲力竭。

两位女主的另一个相似点是，对事不对人；Willoughby和村长都属于小地域上的有所威望的权力阶层，他们绝不是恶人，或许在这件事上处理欠妥，但把全部居民的矛盾都（通过此事件）指向他绝无可能。

棘手之处在于，总体上说他是个好人，还是挑明他此次的失职；尤其在一个人与人之间关系黏合度非常高的社会里，情与法，就事论事是不是就与撕破脸皮划上了等号？

Willoughby命不久矣的身体状况，村长最后又成了秋菊的救命恩人，又把人物间的关系包含进了性命的这个高度的元素，便使得问责人的权力受到自身良心的拷问和外界对于其不仁的质疑，进而更只能把追究就事论事的权责对错含糊过去。

4. 细节处理上：细节击中痛点与矛盾的整体趋向和解（我常常谈的一点）以上观点在「海边的曼彻斯特」中得到了淋漓尽致的呈现（非常有意思的是这段对白出自同样出演海曼的Lucas Hedges之口），同样是以不幸事件的承担者做主角，海曼以细节的关注出发，触发观众感同身受的敏锐痛觉（比如Patrick由冰箱门联想到freezer里的尸体，种种物是人非、物物相似性的瞬间联想，实现了影片中主角情感的即刻触发，而经历的共通性顺延到了观众的同步情感共鸣，有兴趣可以看我之前详细写的「海边的曼彻斯特」，100%源于生活。

）；与之侧重点不同，三块广告牌总体风格是事件因果、环节盖过内在情感勾连构建。

如果说海曼是亲近一个不幸的人，那么三块广告牌并没有太多关注不幸本身，而通过不幸做爆发线索，牵扯出事件参与者之间的错综联系才是其目的。

以下是抖机灵的插科打诨时间 先吐槽一下开场前半小时我觉得太太太出戏了，为什么呢？

以下截图可以近期不同片子里同一个演员、极其相似场景的无缝对接。

在影片中Mildred还有个儿子，他刚出现的时候我是十分震惊和错乱的。

没错这就是海曼中的未成年男生，一样是常常坐副驾驶，一样是在副驾驶上和遭遇不幸的家长争论。

这两个角色都是影片中的辅助性角色，相似度太高了。

一路开车从麻省到南方，镜头几乎是可以无缝替换，根本无从分清出处。

Lucas Hedges in Manchester by the Sea (2016)

Lucas Hedges in Three Billboards (2017)你以为这就结束吗？

接着如果看「伯德小姐」（今年热门，很红），这个男孩子又出现了。

连同是Timothee Chalamet（今年一样很红很热门的「Call Me by Your Name」的主演）一起出现在了加州首府Sacramento，哇这真的是时空错乱。

同样，「真探」中的Woody Harrelson，时隔两年再次出现的Missouri警探，发型和执勤的州名都不换一下的。

镜头依旧可以无缝替换。

Woody Harrelson in True Detective S01E01 (2015)

Woody Harrelson in Three Billboard (2017)*本文转载请联系作者，谢谢合作。

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不论是情节设置和演员的表演都挺好，影片中每个人物都没有明确的正反派标签，吊儿郎当的警员在警长一封信的鼓励下，竟然与女主一起捍卫正义，女主痛失女儿让人同情，但却敢放火烧警察局，警长看似威严，在疾病面前却像个孩子，不禁让人思考：自己在这样的环境下究竟该如何选择，整个剧情不断反转，也不断的考验人性，相当揪心，好在结局不错，推荐给大家看。

看到今年金球奖新出炉的名单，看到老友激动的推荐，怀着巨大的兴奋搜索下载，或许是因为怀着的期望太大，导致总的观感非常一般般，看到开放结局也没有能带给我丝毫触动，“What the fuck！

”脱口而出！！

就像裤子都脱了，你丫给我看Hello Kitty，哦，FUCK！

我挺喜欢有关小乡镇乡情与人性揭露的影片，小乡村、乡镇这些人情社会浓缩了非常可观的人性亮点与糟点，譬如《杰出公民》《裁缝》《狩猎》等等，此类影片撕开乡镇居民温情脉脉的面具曝露其内隐藏的狭隘、自私、虚假、黑暗的人性，让人沉思。

此片中女主角Mildred Hayes为遭奸杀而死的女儿追问警察而立三块广告牌，居民对此的态度是他们可以同情对方的遭遇，但是如果要他们一起承担责任追问警察，或者说必须为此站队为此得罪权力部门时，他们会为此变成加害受害者的加害者行列，主动变成清除“异己”的人，如那个牙医，女主角的前夫、教堂神父。

这种自私的人性在很多此类影片都有涉猎，此片对此有涉猎但却并未过于深入。

影片前半段刻意营造一种警方不作为、警员暴力以权谋私，涉嫌种族歧视、同性恋歧视、歧视侏儒残障、包庇军人等等，总之前面看简直就是想走奥斯卡“政治正确”路线。

结果后半段警察局长三封信彻底反转剧情，原来局长是个表面彪悍内心温柔的丈夫、爸爸，不是不作为，而是已经努力但没有线索，身患晚期癌症而且深受居民爱戴，是个好警察。

而暴力愣头的警员Dixon也有自己的故事，是家庭关系所导致他如此的怪癖暴力！

我去！

我去！

此片可以又名《局长的三封信》。

虽然影片追求戏剧化荒诞化，但总让人觉得哪里不对，刻意为之的反转总是让人别扭，就如17年上映的《看不见的客人》，过于刻意的反转剧情变成一种新的套路，噱头满满诚意不足。

影片开始努力营造一种”以暴制暴是解决事情的一种可靠手段”，但后面转而渲染“愤怒可以导致更大的愤怒”，平静内心对他人充满爱才能看到真相，才是解决事端的方法。

虽然影片在告诉我们片面看待他人及事情是不对的，但从大老虎突然变成Hello Kitty，仅凭三封信，说服力有点弱吧。

一个小镇，彼此间知根知底，难道需要临终遗言才能明白对方是怎样的人品？

全镇人民都了解局长人品爱戴他，唯独这个暴烈妈妈不了解？

共事三年的同事，改变对方靠临终遗言，对方一直把你当兄弟，死后为你暴打广告商，且为此被开除，兄弟你平时都干嘛去了？

当然里面的演员表演水平个个都非常牛逼，科恩嫂草天草地，哦，现在流行的说法是怼天怼地，脏口不离嘴，强悍的做派下面隐藏内心无穷大的内疚自责，独自时的柔软、被暴躁警察威胁时倔强面具下恐惧的内心、看见事情另一面时的懊恼，科恩嫂用脸部肌肉、眼神、肢体表达的很完美。

但我更喜欢那个暴躁暴力分子愣头警察Dixon，让人又恐惧又讨厌又可怜又爱，完美！！

获得最佳男配实至名归。

汝之蜜糖，吾之砒霜。

仅仅是个人观感，好片或许赞誉一片，也有可能毁誉参半，其实这才有意思哒。

一位母亲立起三个广告牌，为被奸杀的女儿伸冤。

这一句话就足够概括电影的故事线。

母亲米尔德丽德耗尽积蓄买下三个位置偏僻的广告牌。

广告牌上写着羞辱警察办案不力的问句。

一直到了电影中段，警长都在努力让母亲撤掉广告牌。

其他警察，以及医生、神父，都在给母亲施压。

这种控诉社会不公的电影足够多。

《辩护人》中的律师不顾威胁，坚持辩护。

《聚焦》中的记者不顾压力，曝光丑恶。

我们期待电影持续增压，期待小镇居民能坚持正义，期待能振作办案，期待凶手能被绳之以法。

到了电影的最后，再打上“电影基于真实故事改编”的字幕，我们大概会鼻子一酸，喟叹一声：因果循环，报应不爽。

正是抱着这样的期望，观众一开始就选好了母亲的阵营。

母亲身上打满了不幸的标签，足够勾起人的同情。

她有两个孩子，女儿刚刚枉死，儿子却因为广告牌的事在学校被欺负。

她的丈夫因为一个年轻少女抛妻弃子。

她是家暴受害者，她收入拮据。

更令刮目相看的，是这位母亲的坚强。

她用广告牌反击。

她在媒体上给警察施加压力。

她用暴力的手法堵住任何人的劝和。

除了不幸和坚强，演员麦克道曼还把更加丰富的性格特征赋予给母亲：灭火时的无助、怀念女儿时迸发的悔恨，以及逗笑儿子的顽皮。

多希望这位母亲能赢。

然而，母亲的坚持带来的不是胜利。

广告牌在宣泄受害者诉求的同时，也给小镇带来了压力。

每个人都必须选择阵营，然后相互开火。

警长威洛比的自杀成为导火索。

尽管对威洛比的刻画不多，但他显然是一位受小镇居民欢迎的警长。

他的生活看起来很美满，却偏偏罹患癌症。

面对广告牌，威洛比最终自杀。

威洛比的下属狄克森因此义愤填膺，把广告商胖揍一顿，再从二楼窗户上扔下楼。

那位母亲坚持以牙还牙，背着自制燃烧瓶，不但烧了警察局，还把狄克森烧成重伤。

在母亲追求正义的路上，暴力一步步升级，让对和错变得越来越模糊。

威洛比对米尔德丽德说的话透露出真相。

这个案子没有目击证人，凶手又没有前科，根本就毫无头绪。

剧情发展，更多信息出现，让对错变得更模糊。

女儿被奸杀，正是因为母亲拒绝开车送女儿出行。

这放在网上，大概能引发一轮“父母皆祸害”的大讨论。

警长威洛比办案不力，却暗中捐赠了广告牌的费用。

警员狄克森暴力蛮横，但在大火中保住了奸杀案的卷宗。

观众发现，善恶没有绝对。

剧中人活在同一个小镇，困在同一个案子上。

在每个人眼中，对错无比分明。

但以上帝视角俯视小镇，每个人都被争对错的执着束缚。

剧中人也逐渐明白了这个道理，以无数的伤痛为代价，建立起难得的信任。

这部电影富有启示录般的意义。

在如今这个职业多元化的时代，人生的经验可能天差地别。

有的人做了一辈子的白领，每天躲在格子间里整理文件。

有的人却在灯红酒绿中赚了一辈子的大钱。

相互之间的理解本来就难能可贵。

媒体却总想简化问题。

看似中立的新闻报道，暗中夹带观点。

铺天盖地的网络评论，粗暴地把一切归纳成机械式的因果。

于是，狂欢的看客们不经审判，把最显眼的疑犯推上舆论的断头台，正如广告牌把威洛比推上断头台。

所有人从这个过程中得到满足。

毕竟，大家都希望“因果循环，报应不爽”，大家也都没有那么多时间来达成理解。

于是，有了很多无辜的受害者。

在故事的最后，导演又炮制了一个可能的奸杀犯。

米尔德丽德决定和狄克森一起干掉这个疑犯。

暴力再一次升级，因果报应的爽快再一次升起。

但在车上，两人都透露出一丝不确定。

谁又能知道，疑犯背后会有怎样的真相。

这是一部很温情的电影，然而剥开这层外衣，它其实很丧。

但愿这只是我的误读。

因女儿被强奸焚烧致死后仍未寻得真凶，受害者母亲立起了三块广告牌，隔空喊话质问警局局长，事情由此走向了不可收拾的地步。

不剧透得评价，这是一个好看的电影，戏剧张力十足，一环紧扣一环推动着冲突的升级；人物立体而真实，转变符合逻辑，最终水火不容的两人成为一条船上的蚂蚱也是情理之中。

故事中有不少巧合和刻意，但在黑色幽默的一丝荒诞笼罩下，完全可以被接受。

近两个小时的观影，你可能会笑会哭会被震惊也会感到遗憾。

同时，Martin McDonagh（导演和编剧）成功得将一系列隐喻和思考融在了这个好看的故事中，使它也变得耐看，值得分析。

此乃剧透预警。

故事发生在美国密苏里州的艾登镇（Ebbing），一个被虚构出的小镇。

Ebb的直译是衰落，这是一个正在衰落的镇，一个“好人难寻A good man is hard to find”的小镇。

广告商Red Welby所看的书《好人难寻》这个小镇民风彪悍，没有伪善，大家一言不合就开怼，动口不行就动手。

这个小镇就是如今社会的缩影。

导演将备受讨论的社会问题都塞进了这个小镇里。

1、暴力问题：Mildred是个家暴受害者，前夫皆前警察是一个施暴者（前警察的身份引人浮想）；Mildred对牙医动手、纵火烧掉警察局；警察Dixon虐待黑人，殴打广告商；Dixon母亲想要回到蓄奴时代（口头施暴及暴力教唆者）。

2、宗教问题：教父上门劝Mildred撤掉广告牌，Mildred用了帮派连坐法令（加入某一帮派后，帮派一员的罪行便是所有帮派成员的罪行）的比喻来怼他，这段精彩的台词直指严峻的教父娈童问题。

“你们教会其实就是一个帮派，如果你在楼上抽着烟读圣经的时候，你帮派里的一个教父却在楼下操着祭坛旁的男孩，你们都是有罪的，因为你加入了这个帮派。

我并不在乎你做没做过，看没看到，甚至听没听到这些狗屎，你加入了帮派，你就是有罪的。

一个人因为性侵男童之类的事而有罪，那他们就丧失了来我家告诉我该怎么做的权利。

”3、种族问题：Dixon虐待黑人。

4、政治正确问题：当Mildred指出Dixon“nigger-torturing（虐待黑鬼）”时，Dixon纠正只能说“Persons-of-color torturing（虐待有色人种）”；新黑人警长训斥“cracker motherfuckers（白鬼混蛋）”时，Dixon指出这是种族歧视。

5、军队特权问题：片中唯一的疑犯因其军人身份，所有的资料都被保密，脱离了司法体制的制约。

6、少数族裔问题：出现了同性恋及侏儒的正面角色Welby和James。

Welby被威胁，而James被嘲笑，但他们是爱的传达者。

在这样一个小镇，代表秩序并维护秩序的警察局本身就是个烂窟窿。

警长Willoughby直说了：如果你把所有有轻微种族主义倾向的警察都开除，就只剩下三个警察，他们恐怕还都恐同。

立起广告牌的女主Mildred是个彪悍而凶猛的女人，谁惹她她怼谁，骂不倒对方便用暴力，甚至不惜火烧警察局。

警察局长William Willoughby虽然口吐脏话，但是个备受尊重的好人，善良幽默、有责任心和关怀心，居家好男人。

他在某种意义上便是信仰爱的传统价值观的代表，然而他病入膏肓了。

Dixon则是个典型的劣迹斑斑的警察，严重的恋母情节、恐同、种族歧视、执法暴力（虐待被拘留的黑人），无能而暴虐。

三个主人公的生活因为立起广告牌后引发的一系列事件而被改变了，一环扣一环的事件像是滚雪球一样无法阻止，马丁指出，这是各种问题发生的原因——Anger begets greater anger（愤怒只会招致更大的愤怒）。

究其根缘，大概是Mildred相信她对女儿的死是有责任的，她对女儿说的最后一句话是争吵中的气话“I hope you get raoed on the way too（我也希望你在半路被强奸）”，而在女儿死之前，她受够了和妈妈一起住，希望能去爸爸那里。

Mildred当然爱女儿，但在日常生活中她没能将爱传递出去。

所以，警察做了他们能做的，Angela之死的真相或许注定无法被知晓。

Mildred无法接受，她将她的愤怒集中到了“无能的”警察，立起了广告牌。

这让站在警长一边的群众愤怒，Mildred以在胖牙医手上钻了个洞回应了这份愤怒。

前夫因为愤怒，掐住Mildred脖子暴力相逼时，儿子把刀架在了父亲的脖子上。

Dixon为逼迫Mildred撤掉广告牌，欲加之罪逮捕她朋友。

这个小镇的居民，他们习惯了用暴力解决问题，因为无法抑制的愤怒。

事情转变的契机还是一场暴力，警长Willoughby的自杀。

他留下了三封遗书，分别留给妻子、Mildred和Dixon。

这个代表着爱的濒临死亡的传统价值观放弃了和病入膏肓的社会的斗争，但他还是将信念通过遗书传递了出去。

马丁借他的遗言道出了解决问题的良药——Love（爱）。

只有通过爱才能达到内心的平静，通过内心的平静才能拥有思想，它们才能解决问题。

警长的自杀和广告牌无关，但小镇上的居民却不会这样想。

Dixon将愤怒发泄到了广告商Welby身上，将他扔下楼痛打一顿。

Mildred儿子的同学向Mildred扔鸡蛋，Mildred直接踢向了可能的肇事者的下体。

广告牌被点燃毁掉，Mildred怀疑是警察所为，纵火毁掉了警察局。

愤怒仍在扩大，暴力还是解决途径。

直到Willoughby的爱传递出去，并且由善良的人展现给了Mildred和Dixon。

Dixon在大火中将Angela案的卷宗救了出去，手上的他和广告商Welby住在同一间病房，Welby（同时是同性恋者）选择了原谅他。

Mildred纵火烧了警察局，侏儒James包庇了她，并在不失尊严的前提下表露了爱意。

所以当Mildred提起酒瓶走向前夫时，她没有不计后果地敲在他脑袋上，而是让他对新女友好些；当Dixon锁定疑犯并打算取得DNA时，他忍受了拳打脚踢（第一次表现得像个警探）。

这是转变的开始。

最初集中体现愤怒的三块广告牌被点燃了，新的广告牌虽一模一样确是延续了Willoughby开下的玩笑，愤怒已经被解构。

而旧警察局被Mildred一把火烧掉了，像是宣告旧秩序的彻底毁灭，Dixon在火中重生。

正所谓“不破不立”。

如果是一部正常的片子，那接下来就该是真相大白一切转好的高潮到来，但马丁显然没有这么乐观。

毕竟讽刺的是，点出马丁认为的社会问题根源是“Anger begets greater anger（愤怒只会招致更大的愤怒）”的至理名言的是全剧最蠢的角色，Mildred前夫19岁的女友；而给出解决问题答案的人放弃了与病魔的斗争（传统价值观与病态社会的对抗）。

所以，最终，Dixon交出了警徽，他和Mildred，两个普通的公民踏上了可能的复仇之旅，而他们复仇的对象不过是一个可能的另一个强奸案嫌疑犯。

这仍是愤怒的转移，是尚未被爱化解的愤怒。

这个留白的结局并不像是这个故事该有的结尾，但却体现了马丁悲观下的温情，因为这趟旅程的终点是不确定的，他们不一定会真地堕入轮回。

或许这个世界还有救，只是我们尚未踏上征程。

两次出现在片中的音乐“The Last Rose of Summer”为这故事做了很好的注释：So soon may I follow, 不久我也可能追随我朋友而去，When friendships decay, 当友谊渐逝，And from Love’s shining circle 像从绚烂的爱的光晕中The gems drop away. 掉落的宝石。

When true hearts lie wither’d, 当真挚的心已枯萎，And fond ones are flown, 所爱的人已逝去，Oh! who would inhabit 谁还愿留在This bleak world alone? 这荒冷的世上独自凄凉？

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关于制度，人权，社会之类题材的作品，已经成为提名奥斯卡的一项显著特征了，而且这种题材的剧情片在豆瓣上也总是能得高分，感觉这都是毛病，这部电影的情节真的很无聊，很无聊，很无聊，就情节吸引力而言还不如天朝的片子，所想表达的东西也是一眼看穿，没什么意思。

女主角满身毛病，真就如同影片里他儿子说的那样，“碧池”。

如果在现实生活中应该是最让人烦的那种女人了，不管戴上什么样的光环坚持什么样的原则都是一样，不过也反映出演员演技不错，这点好评，让人想到16年《海边的曼彻斯特》，除此之外也没了所以就算是打发时间也不要看这一部电影

《三块广告牌》无论从扎实的剧本，导演的风格，演员的表演，阐述的主题，发人深思的结局，都能直插人们的内心。

就连影片的电影原声，吉他简单弹奏的几个旋律，每根弦蹦出的音符，都能直撩你的泪腺(2018奥斯卡最佳电影原声提名）。

电影的导演，是好莱坞金牌编剧兼导演——马丁.麦克唐纳。

知名作品《杀手没有假期》，《七个神经病》，让他的黑色幽默风格发扬起来，得到大家的打CALL。

马丁.麦克唐纳擅长塑造故事中每个人物的性格，并敏锐洞察社会的极端事件，从而把人物的多面性展现出来，最终探讨愤怒，救赎，暴力的哲学。

《三块广告牌》每一幕的剧情，都处理得干脆利落，没有一点拖泥带水，每一次剧情转折，就像一记记的闷锤，穿过肉体打在你的灵魂上

《三块广告牌》的黑色幽默，在每一个角色说出一段笑梗的背后，都隐藏着血淋淋的丧，我们看的时候虽然也会笑，但笑过之后心里却透着刺骨的冷。

这样好的电影，为了不让大家错过任何闪光点，大聪再一次自虐拉片，全面解构《三块广告牌》的主要人物。

—— 剧透解析开始 ——

一首哀愁的爱尔兰歌谣《Last rose of summer 》（夏日最后的玫瑰），唱出了这个小镇的不安宁。

这首歌谣在影片中唱到的歌词有：'Tis the last rose of summer,夏日最后的玫瑰Left blooming all alone,独自孤单的绽放All her lovely companions所有美丽的伙伴Are faded and gone.都以凋零谢落No flower of her kindred,既没有同族的花卉No rose bud is nigh,也没有任何其他的花苞To reflect back her blushes,来一同撒娇Or give sigh for sigh. 或是一起叹息这歌谣是爱尔兰诗人托马斯摩尔的诗，所以歌词每一段的最后一词，都有押韵。

电影歌词唱的第一段中“alone, gone, nigh, sigh” 分别押韵。

翻译出来就是“孤独，离去，贴近，悲叹。

”电影开场在雾气荒野中，耸立着三块广告牌，再配上《The last rose of summer》第一段，就传唱着一种史诗感的悲凉，拉开了莎士比亚式悲剧序幕。

破旧三块广告牌中，有旅游广告，咖啡广告，婴儿用品广告等，他们像曾经小镇幸福繁荣的记忆，同时也暗示着如今现实的荒凉，悲情闹剧的开始。

一位母亲，米尔德丽德，几个月前，她女儿就在这个广告牌下，被强奸后烧死，至今案件杳无音讯。

这位母亲看着这个广告牌，咬着自己手指，沉思良久。

不要小看这个画面，这是第一次表现这位母亲内心的写照，因为她内心的善意与愤怒，还在摇摆。

但最终，她踩下油门，开向做出决定的方向——广告牌的公司。

她和广告老板谈下这三块广告牌，用愤怒和怨责，直指警方对她女儿奸杀案的不作为。

很多公号都注意到，他们在谈论广告牌具体内容时，米尔德丽德在窗台帮一只昆虫翻身的动作，说明了这位愤怒母亲内心深处的柔情似水。

这是一个很好的具象侧面描写，但大聪带你们看个更深层次的——起初母亲坐在车里看广告牌时，披着头发，和一般美国妇女没什么区别。

之后来到广告公司，扎起头发，中性打扮，开始向人物刚硬一面转型。

生意谈妥之后，三块广告牌涂成血红色，事已至此。

这一天米尔德丽德的形象，在工装连体服基础上，里面穿了一件红色的衣服，匹配了广告牌的血红色，最重要的是，她带起了一块头巾，并接受电视的采访。

这块头巾让人想到了一部电影《猎鹿人》，影片中的人物Nick，也带着类似的头巾，最出名的场景，是他带着这块红色头巾玩俄罗斯转盘，这是一场人生的赌博。

米尔德丽德在三块广告牌启用以后，也带上了头巾，说明她清楚自己如同玩一场人生的赌博，而且随时做好社会对她反击的准备。

这位母亲的形象，在开头几段的出场，已经暗示着她对的社会的抗争，一次比一次剧烈。

第一个正面对抗，来自警长威洛比的登门拜访。

他们据理力争，威洛比试着对她解释案件的信息量太少，没有匹配的DNA证据。

米尔德丽德居然建议，让镇上八岁以上男性抽血验DNA，最后干脆说，最好所有男人一出生，就把DNA存入数据库，只要一出事，拿出来一对照，犯事匹配者即杀之。

她的这番脑洞建议，堪称未来科幻大片剧情。

此时威洛比发现，对话到这里已经聊不下去了，这位母亲把互相理解抛到脑后，把蛮狠的问责摆在他面前，要的不是一个说法，要的是一个近乎不得达成的真相。

从更深的角度来说，米尔德丽德这么做，是对女儿愧疚的一种表现，她逼着自己不要去忘记，要保持对世间的愤怒，而这种愤怒因为没有真相无处安放，从而转移愤怒给警方。

之后威洛比说自己得了癌症，本以为是一个杀手锏，但却没曾想米尔德丽德已经知晓，并用不近人情的话语回击了威洛比。

在此大家注意一个小细节——米尔德丽德在怼回威洛比癌症的事情之后，身体不由自主的荡起了秋千，按理说这么一位强悍的母亲，不会突然少女心泛起荡秋千，这只能说明，她此时在伪装自身的轻松。

因为她也清楚自己这么说很过分，但她情愿这种不近人情，如果能转化成警方办案的动力的话，她可以让全世界人都恨她。

大聪看到此时女主这么细微动作的表演，内心赞叹演技完美。

第二个正面冲突，来自于神父的不请自来。

神父自认为代表了民众，来向米尔德丽德“讨伐”，暗示她撤掉侮辱警长的广告牌。

米尔德丽德也不甘示弱，直接拿宗教开刷，把基督教比喻成恶痞流氓帮派，把神父比喻成帮派头目成员，只要一人有罪，是否全盘共犯。

这暗示了米尔德丽德是无神论者之外，也说明了她反感宗教中的绝对正义，从而引出影片对宗教神圣性的探讨。

在全球，西方宗教可以说撑起了西方传统文明的旗帜，一直屹立不倒。

但近来很多现实的案件，以及很多电影纪录片的揭露，让我们发现少数带着神职身份的人，有着性侵的控诉但却没有被法律制裁的事件。

影片这段米尔德丽德回击神父的话，点亮了现今问题的存在。

语言性的冲突，很快变成了肢体上的暴力.米尔德丽德去看牙医的时候，连牙医都反感她广告牌的做法，当牙医表明立场时，却被她钻破手指。

很快她被传讯回警局问话，和警长再一次就广告牌进行对峙。

在对峙中，影片用黑色幽默的手法，调侃了美国种族歧视问题，调侃了美国牙医，还有引出米尔德丽德的前夫等等。

短短几个来回的对话，不光关注了当下美国的一些敏感问题，还为接下来的前夫登场埋下伏笔，这样精炼的台词太精彩了。

就在他俩还没争出胜负之时，警长威洛比因为癌症，一口血喷到米尔德丽德脸上。

此时两人都蒙圈了，转而剧情来了180度大转弯。

米尔德丽德坚硬无比的内心，瞬间被脸上的血迹软化，她心中的善良被唤醒，并急忙去叫救护车。

这算是影片第一次对米尔德丽德正面的描写，光这一个举动，就让观众对她之前做的那些事，统统讨厌不起来。

如果说这些冲突来自外部，那么儿子对她的不支持，则是米尔德丽德没办法用愤怒去回击。

因此她选择保持沉默，但儿子的愤怒，让她想起了她和女儿最后的对话。

她想到了她和女儿死前的争吵，正因为米尔德丽德不愿意借车给她女儿，从而多少间接导致女儿的死。

而且在他们母女俩最后对骂的时候，米尔德丽德还诅咒她女儿在半路被强奸。

内疚，自责，后悔，又一次侵蚀着这位无助的母亲。

大聪看到这里其实有一个猜想，觉得米尔德丽德最后那句诅咒女儿的话，其实不是真的，是她因为过于内疚，给自己拷的枷锁。

因为当她女儿死了以后，她回想起自己过往对女儿的种种，认为自己离一个称职母亲的距离，还很遥远。

因此她变本加厉的幻想，以达到对自己最大程度的自责，从而让自己一辈子生活在痛苦的惩罚中。

当然，这只是一种猜想，这段回忆母女最后那句争吵，也可以是真实发生的，只是说如果真的说过那句话，未免剧本在台词的设计上，也太故意捏造巧合了，反而变得不高级。

接下来米尔德丽德前夫的造访，让观众了解了她的性格为何如此愤世嫉俗.

他们一家人在三言两语之间，就能掀桌子，掐脖子，拿刀架脖子，好不热闹，看得19岁进屋上厕所的前夫女友，语无伦次。

是的，这样一个暴力家庭，造就了米尔德丽德冷眼看世界，出口成脏，对儿女不问不顾的性格。

因为她认为，只能用这样的姿态，站在这样冷漠暴力的家庭，才能保全自己。

但很快，他们一家人安静的摆好掀掉的桌子，说起了感人忏悔的话语，那个时刻，他们又是多么的软弱。

随着影片的进展，对米尔德丽德内心脆弱的写照越来越多。

经过前面大大小小的冲突之后，她终于有闲情去到三块广告牌下，种下一些红色的花和植物。

这个举动，是一种纪念的象征。

一来这是女儿惨死的地方，二来广告牌成为了她唯一的精神寄托。

而此时的神来之笔，是一头百尾鹿悄然来到了米尔德丽德身旁。

这位母亲看到这头美丽的鹿，想起了自己的女儿，于是开始喃喃自语，她的经历告诉她，这不是女儿的转世，但她多么希望此时转世这种事是真的。

一番自言自语之后，看着远去的白尾鹿，米尔德丽德终于没能抵挡对女儿的思念，她抱头痛哭，嘴里还念叨着女儿的名字。

影片到这，把米尔德丽德善恶，柔情和暴力的性格，完整的立了起来。

但观众和影片中的人物都认为，故事的矛盾就此说完的时候，在原本没解决的矛盾里，又突然迸发出新的矛盾，这个新矛盾，就是警长威洛比的自杀。

这也是大聪觉得这剧本牛逼的地方。

在故事主线矛盾还没有解决的时候，主体矛盾里自发产生一个矛盾事件，让观众和影片中的人物都猝不及防。

警长威洛比自杀的新闻一爆出，小镇上的民众，由最早对米尔德丽德的同情，转变成对她的唾弃。

就连她儿子上学的学校，也有人对他们家车子扔饮料。

陌生人来到她打工的店，正面用她女儿的奸杀案刺激她，羞辱她，甚至想要摧毁她。

可以说，米尔德丽德因为警长威洛比的自杀，引起了众人的公愤。

这讽刺了什么，像不像今天不明真相的网络暴力（大聪深受其害），像不像今天吃瓜群众追踪一个新闻事件的时候，墙头草一样东倒西歪？

于是，“群众”的暴力需要一个发泄口，作为威洛比跟班的狄克森，拿广告老板出气，把广告老板打个半死，直接从二楼扔下去。

因为在狄克森单纯的脑子里，认为追根到底，是广告老板一开始“鬼迷心窍”，才让广告牌贴出来。

此外，她前夫喝醉，干脆把广告牌给烧了，一了百了。

米尔德丽德正好在回家路上，看到了燃烧的三块广告牌，她奋力抢救，因为这是她和她女儿唯一的精神连接。

广告牌的烧毁，也烧到了米尔德丽德的内心，她最终选择以暴制暴，拿汽油瓶烧掉无用的警察局，以示抗议。

这一幕非常震撼，也是影片中米尔德丽德人性恶的爆点，但看到她烧警局的时候，大聪反而想掉眼泪，这是多么扭曲的母爱，让人既同情又无奈。

这种感觉，不禁让大聪联想到了《权力的游戏》中的瑟曦，她在连续死掉大儿子乔里佛和女儿弥赛拉之后，为了保全第三儿子的母爱，不惜与全世界为敌，炸掉整个大教堂。

当然，《三块广告牌》不是复仇之路，米尔德丽德虽然怒火中烧，但她并没有变成十恶不赦的坏人，她在烧警局之前，还是一再打电话确认里面没人才放火。

但剧情的矛盾又一次升级，狄克森在警局里被大火烧伤。

当米尔德丽德看到狄克森在逃离火场的时候，还拿着她女儿的案件资料。

这一次的她，真的束手无策了，复仇的怒火，让她开始变得茫然，她仿佛掉进一个复仇的深渊无法自拔，但这个深渊并没有通往她女儿真相的出口。

但往往当事件把主角推向最底深渊的时候，就是见证主角性格弧度转折的时候。

《三块广告牌》进行到这，米尔德丽德由开始对外界的问责，到抗争，到报复，在暴力中，她正在迷失自己。

而这一切缠绕在米尔德丽德心中的混乱，在一次晚餐中，被她的前夫一语击中，准确的说，是被前夫的女友看到的一句话击中，她前夫说——愤怒，将会招致更大的愤怒。

这句话可谓是整部电影的点睛之笔，整个广告牌事件由米尔德丽德一人愤怒而起，然后转到多人的愤怒，多人的愤怒而后再投射回到她自己，形成一个恶性循环，最后让米尔德丽德变成了可怜但不可爱的人。

难怪在晚餐时，一直喜欢她的侏儒詹姆斯也无奈的对她说——你以为你是谁？

从来不会笑的广告牌女士，从来没有对任何人说过一句好话，大晚上还去烧警察局，

所有的种种，又一次点醒了米尔德丽德内心的善，而这一次，她对前夫感情给予了祝福，虽然还没放下女儿的案件，但米尔德丽德开始试着放下以前愤怒的自己。

之后狄克森追查到了嫌疑人，本以为案件终于要尘埃落定，但现实的玩笑，再一次讽刺了这个残酷的社会，那个嫌疑人，不是这次奸杀案的真凶。

影片的最后，结束在米尔德丽德，和狄克森一起去往嫌疑人家的方向。

最后他们是以暴制暴，杀掉一个毫无证据的人？

还是放下过往，开向未来，重新面对生活呢？

大聪更愿意相信后者，并不是因为政治正确，而是影片中的母亲米尔德丽德，在经历了这么多人生悲剧和愤怒之后，她开始选择放过自己，放过这个操蛋的世界。

注意大聪的用词，是放过，而不是原谅。

米尔德丽德或许并没有原谅这个周遭的世界，但她试着不再使用愤怒，把愤怒掩埋起来，而对于女儿的爱，或许随着时间的流逝，回忆会模糊，但那是因为思念的缘故。

就如片尾歌曲《Buckskin stallion blues》（鹿皮种马蓝调）所唱的——I heard her cry on a summer storm我在夏季风暴听到她的哭声I loved her, but she did not know it我爱她，但她不知道 So I don't think about her anymore所以我不想再想起她了…….If I had your love forever要是你的爱能永远Sail into the light of day我将驶向光明的一天这首歌很好的诠释着一种积极的心态，在一个阳光灿烂的日子里，车上的两个人，各自怀揣着对世间的愤怒和爱，驶向光明的一天。

一位好好警长，深受小镇居民爱戴，同时也是这次三块广告牌的问责人。

看电影中的人物，最重要是看该人物的第一次出场。

威洛比的第一次出场，是接一个电话，他当着孩子的面，在电话中就粗话连篇，但转头就对孩子道歉。

这样一个生动的表演，马上就能反应威洛比粗犷，但又不失温柔的形象。

在影片中，威洛比在工作中处处照顾狄克森，并在小镇上也树立着一个好警长的形象，在生活中，他是一个能让老婆性福的好丈夫，也是一个能逗小孩开心的好父亲。

在这次奸杀案中，他已竭尽全力，但依然毫无收获。

就在他快要退休之时，还遭受了名誉上的问责。

更重要的是，他得了癌症。

但即使这样，当米尔德丽德弄伤牙医之后，威洛比完全可以把她关起来，但威洛比却选择放过米尔德丽德。

威洛比在生命最后的阶段，他或许看得比任何人都要淡，淡掉功名利禄，淡掉愤怒仇恨。

他选择在一个晴朗的日子，和家人一起团聚，陪孩子钓鱼，和爱人做爱做的事。

也就在那一晚，他带着美好记忆的一天，撒手人间，在马厩中自杀。

死的时候还不忘留下三封信，给妻子，给米尔德丽德，给搭档狄克森。

换个角度理解，其实这三封信，也是威洛比自己写给自己写的信，分别的含义是:第一封信是他看待人间的情（妻子儿女），第二封信是他看待人间对自己误解（广告牌事件），第三封信是他对人间的爱（开导狄克森）。

狄克森内心其实正直，纯良，仗义，但同时也有恋母情节，是位易怒的种族主义者。

如果说警长是先知先觉的人，那么狄克森就是后知后觉的人。

他对很多事情都看得太表面，从而闹出很多笑话，最终这些黑色的幽默，把自己的饭碗都丢了。

在威洛比死后，他选择用愤怒发泄，而发泄最简单直接的方式，就是跑到对面的广告公司，痛打一顿广告老板。

而在收到威洛比的信之后，他又“浴火重生”，通过自己和嫌疑人肉搏，刮下了嫌疑人的皮屑，用来做DNA对比。

一切事情都往好的方向发展，但现实的残酷就是把他们的希望燃起，又冷冷的吹灭。

这种对现状的失望，就如狄克森最后和新警长对话那样，他还给警徽的那种决绝，没有一丝的留恋。

最后狄克森在和米尔德丽德驶向远方的车中，他们两人表情都已不再愤怒，不为彼此所做的事情愤怒，不为广告牌事件愤怒，不为这个社会而愤怒。

因此，他们也不会再为想去杀掉嫌疑人愤怒。

因为有两大男配左右呼应，广告老板的戏份并没有很多，但大聪依然觉得很出彩。

广告老板的第一次出场，当时他正在看着一本书，叫《好人难寻》，这本书其实是由很多关于邪恶，救赎的短片故事组成。

《好人难寻》讲述了祖母一家外出旅行，途中碰到了祖母年轻时就认识的逃犯，最后祖母一家惨遭复仇般的杀害。

《好人难寻》中的人性并不正面，但故事中有很多关于愤怒，复仇和道德上的探讨，广告老板看的这本书，映射到他身上，则是他在愤怒面前，学会了宽恕。

所以当他被狄克森打得进医院后，发现他的新病友是烧伤的狄克森，他选择了宽恕。

导演在处理狄克森和广告老板之间的关系时，大部分都是语言和肢体上的暴力对抗。

所以医院这场戏，导演是想通过伤痕累累的两个人，让观众看到暴力的无用和丑陋，让观众了解暴力和愤怒，其实可以用一杯果汁化解。

另外，影片中的侏儒詹姆斯，也侧面描写类似他这样的特殊人群，在现实生活中追求正常生活的现状，是多么的艰难。

还有米尔德丽德的前夫，儿子，威洛比的妻子等等，每一个角色虽然戏份都很少，但他们每一场和主角们配合的戏份，都非常细腻和丰富，表演也很自然到位。

值得一提的是，《三块广告牌》的剧本其实七八年前已经写好，但一直拖到这两年才拍摄，去年才上映。

但正所谓好事多磨，今年奥斯卡的风向标，是女性平权主题。

光女性为主的电影，今年就有好几部，比如《三块广告牌》，《我，花样女王》，《伯德小姐》，《水形物语》，《华盛顿邮报》，而且光妈妈角色，就有三。

虽然上述的每一部作品都很上乘，竞争相当激烈，但大聪依然最喜欢《三块广告牌》。

如果说《三块广告牌》最终拿不到最佳影片，那么这部电影，将会成为奥斯卡的又一个遗珠。

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电影《三块广告牌》的文本是精心算计的高级货（MADE IN U.S.A），但如果说一个电影文本是美式“高级货”，那高级货的通用标准是什么呢？

首先说说“高级”，文本的高级首先意味着在文学性和结构性上具有匠心独运的设计，这让他免于成为超级英雄电影这种大路货。

那么这种高级货能高到什么程度呢，对于今天我要谈的电影《三块广告牌》而言，它便是一部质量很高的学院派电影，没错，就是典型的Oscar Style，从叙事技巧、电影文本的文学性、题材的社会性而言，《三块广告牌》都是非常具有可读性的一部作品，技术和专业性上均达到了较高的水准，实在是太符合学院派的口味了。

第二从受众而言，高级货是消费者是谁呢？

高级货的消费者大抵是高端人士，当然对于电影这种艺术产品而言，所谓的高端人士一般指的是具有较高电影欣赏趣味的人。

个案上而言这往往可以和物质和社会地位脱节，但是在趋势而言大抵还是呈正相关的。

《三块广告牌》是拍给谁看的呢，是学院派的评委，是文化程度较高的群体。

而这决定了这部电影需要一定雅俗共赏的“文学性”、“社会批判性”。

高级货也终归是商品，哲学层面的后现代审美对商品常常无好感，而商品对我而言从来都不是什么贬义词，商品代表着一种共通的价值，具有某种普世性，高级货拥有艺术创作上的硬通货，而对于《三块广告牌》而言，它作为商品的硬通货我倒不认为是常说的好莱坞经典叙事，而是极其优秀人物塑造，《三块广告牌》是群戏的胜利，倔强的母亲、善良的警长，楞警探狄克森等都让人难忘。

第三是为什么说一定要强调这是“美式”的高级货，因为《三块广告牌》的文本具有很强的美国特征，首先从“社会批判性”而言，《三块广告牌》全片充满暴戾感，这种暴戾感是对美国社会现状的不满：对社会治安、警民互不信任、种族歧视、社群分化的发泄，表现在情绪上便是一起奸杀悬案背后的各种“以暴制暴”，体现在故事中便是各种黑色荒诞的喜剧情节，比如讽刺广告牌、警长自杀、警察怒怼广告商、广告牌大火、火烧警察局桥段。

然而这些暴戾的桥段最终也被穿插的温情情节所消解，如警长临终的三封遗书、医院中的一杯橙汁、火纵警察局后的包庇、重贴广告牌及最后的旅程等，这些都源于人性的善意。

其中种种残酷、暴戾的现状要是放在当今天朝也绝对能找到对应，这时候电影最最高级，也是最最美国的核心出现了，那就是“分裂中的弥合感”。

文本在黑色荒诞的分裂之下，维持底子暖色调的统一性，虽然怒诉分裂、残酷、暴戾的社会现状，却能够在微妙的社会感情上弥合现实状况的分裂，最高明的是这两者还完全没有违和感，这才是真正的美国戏呀，这也是剧本最高级、最算计的地方，让本片从一部单纯的黑色荒诞剧拔高到更具社会性的层面，这是本片可能赢得学院垂青的核心。

这就是Oscar Style的高级文本，从此告别小学生作文的黄金教案。

母亲表演的亮点满满整部影片都是。

如果没有她的演技影片会逊色很多。

最让人揪心的是，前夫说“为什么女儿死前一周还问我能不能和我一起住，我和她说，待在家里吧，妈妈很爱你”母亲听完，马上崩溃，扭曲着脸连说两次“我不相信你！！！

”那种突然被说破戳穿的痛苦诠释的很到位，她知道是真的，但又不愿相信，这种复杂矛盾的心情从她的眼神中可以看到。

看到那时，我挺难受。

还有一个镜头，山姆得知他找的那人不是凶手后给那位母亲打电话。

她说“我没有一天是像今天一样在希望中度过的”然后一直锤自己鼻子，可以看出一样破灭，然后接受还是坚强的母亲。

那种无能为力，最后一点希望破灭的无力神态也从她的表情体现出来，看后让我心生怜悯和感慨。

至于山姆，他让我印象深刻之处在于，黑人警官告知他那个人不是他认为的凶手后。

他听完有一瞬间的呆滞，当时表情马上变了，有种不敢相信的感觉。

然后再说“what!”这时表情肯定是会变得，他转换的很好，表现出一个小警察以为自己真能有些作用最后却又空欢喜一场的怀疑，倒是山姆表演的精彩之处。

为什么他们要怼天怼地怼空气？

休假归来，开始撸稿！

“可怜之人必有可恨之处”，或者“可恨之人也有可怜之处”，放在本片中很合适很早以前就看了这部电影，电影公映的时候又刷一遍，很简单，《三块广告牌》是我2017年最喜欢的一部电影（去年看的）。

放眼即将到来的奥斯卡，虽然作为“胖陀螺”的粉丝，很希望《水形物语》能收获大奖，但对于“最佳影片”这项，我还是投给《三块广告牌》（胖陀螺一定要拿最佳导演哦！

）

因为这是一部非常难得好电影，精彩的表演，精彩的剧本，近乎完美的情绪刻画，太难得。

导演马丁·麦克唐纳，戏剧导演出身，是一位天才。

首先来说剧本，《三块广告牌》无疑有着一个极佳的剧本，关于“好剧本”的定义是什么？

其实不仅仅是一个精彩绝伦让人意想不到的故事，就像《三块广告牌》的故事，其实就很简单，就是围绕一个怼天怼地怼空气的暴怒老妈的故事展开，但一路看下来给人的感觉就是“五味杂陈”，这就是电影艺术的魅力，拍电影并不是简单的给你讲一个好故事，否则跟听评书、看小说没什么区别了。

这部电影好在什么地方，其实很难用语言归纳，只有看过才会觉得好。

简单形容来说，通篇在静谧气氛下的难以言状黑色幽默，对于受害者的悲凉遭遇和行凶者的愤怒，以及角色所表现出来种种离奇行为的荒诞，让电影风格阴郁，又始终保持着让人感到孤独的忧伤，最后却让人心软，透露着些许的温暖，这是镜头和剪辑的功劳，一部电影占全了五种情绪，这才是难得的地方。

（本文将角色名字全部省略了，用身份代替，比如母亲、儿子、警长、警探等等，我写得也轻松，大家看得也方便）偏执的他们电影中的几位角色，都很偏执。

包括弗兰西斯·麦克多蒙德饰演的母亲，山姆·洛克威尔饰演的警探，伍迪·哈里森的警长。

乃至广告小哥、“小恶魔”那位角色、母亲的儿子甚至死去的女儿，所有人都很偏执。

用俗话来形容，就是“犟”，钻牛角尖。

失去女儿的母亲，凶手至今未缉拿归案，一怒之下迁怒于警察，三块广告牌红底黑字，以质问的语气去怼警长，一时间小镇炸了锅。

首先跳出来的就是警探，因为如果警长平日里风评不佳也就算了，可恰恰警长貌似平日里还比较得民心，而且还身患绝症，由此便开启了电影第一幕的故事。

第一幕故事，其实跟凶案的推进关系不大，就是看母亲跟警察互怼，以及跟站在警长立场的群众互怼，比如倒霉胖牙医，直接被钻透了手指‘而探员则每天吊儿郎当，也不见他办案，上班看漫画，下面作威作福，就是不务正业。

在这样的情节安排下，该片对观众的情绪调动，已经初见成效。

有的观众会觉得这位母亲太不讲理，怼天怼地怼空气；也有的观众当看到当地警察如此形象，也难怪破不了案。

这一幕，母亲、警长、探员这样的三角关系，维持着一个“和谐”的体系，警长充当双方的缓冲带。

当警长自杀之后，这样的平衡关系被打破，警探将广告小哥从窗户里扔了出去，广告牌也被来路不明的人烧毁，母亲进而烧掉了警察局。

这是第二幕的故事。

警长自杀前一夜之间的三封信，不仅仅成为故事的转折点，更对第一幕的人设，进行了相应的补完。

孤独的他们为什么他们都很偏执，是有原因的，就像这个世界上没有无缘无故的爱，也没有无缘无故的恨一样。

当我们以为这是一位伟大的母亲，为了女儿不惜怒怼警察局，当我们以为这是一位不务正业的探员，白人至上警探，电影中段我们才发现，母亲不完全是一位“好母亲”，警探也不完全是一位“坏警察”。

女儿的出走是因为母亲所致的，母亲与她争吵，并在女儿离去前诅咒其“我希望你被强奸”，结果一语成谶。

这一切的根源，就是家庭不和。

母亲长期受家暴影响，进而变得偏执，或许也是她本身性格有问题，连女儿都要离他而去搬去跟父亲住。

其前夫，以前也是一位警察。

看到这里面，观众大概明白了，母亲之所以这样偏执，还是由于内外因结合缘故。

她很自责，没有尽到一位母亲的责任，间接促成了女儿的死。

她也恨警察，有警察未能及时破获案件的原因，也有前夫曾经是警察的影响，还有小镇中警察的整体形象问题，才导致她用“三块广告牌”点燃了矛盾的导火索。

而警探的行为，基本上代表小镇警察的整体形象。

吊儿郎当、种族歧视、虐待黑人，招致大众不满。

回到家中，这位还跟着老妈生活，是一位无所事事的宅男（并有着轻微的恋母情节），还讨厌同性恋。

如果说前半段这位作威作福，是因为有着警长的“庇护”。

但警长死了之后，新的警长竟然是一位黑人，就连平日里熟悉的警局都变得陌生了。

多方原因之下，促成了他的暴走。

施暴的对象，就是广告小哥，一方面广告牌事件这位也有“功劳”，另一方面，小哥是个同性恋。

说白了，母亲与探员，他们都是孤独的。

他们与周围的环境格格不入，因为孤独产生了偏执的行为：★没有尽到母亲责任的母亲，失去女儿后的孤独，让她偏执的完成了“三块广告牌”。

★没有尽到警察责任的警探，失去警长朋友的孤独，让他偏执的出现了暴力行为。

圈子文化是什么让他们孤独，还是在于“圈子文化”。

实际上，这也属于乡镇文化，就像电影中展示的那样，一个小镇，屁大点地方就那么几个人，抬头不见低头见，而且有着历史传承问题。

电影的故事发生在密苏里州一个小镇。

很早之前这里就是黑奴种植园文化的代表地，后来该州也是种族歧视的重灾区。

2014年这里发生了一起轰动美国的大事件叫做“弗格森骚乱”：2014年8月9日，美国密苏里州弗格森镇，一名黑人青年在没有携带武器的情况下遭遇白人警察枪击身亡，评审团最后决定不起诉警察，随即引起了大规模的抗议和冲突事件。

这起骚乱基本代表了密苏里州的问题所在：种族问题和暴力执法。

所以电影中警察的行为放置在这个环境下，是很正常的，甚至警探的老妈都在说要恢复黑奴制度。

就像警长所言：如果你把所有有着种族主义的警察都开除，警察局估计就剩三个人了，剩下的估计还恐同。

★在这样的环境下，母亲被前夫（前警察）家暴，他是无处申诉的，失去女儿后，她感觉孤独，变得偏执；★而当警长死后，一名黑人警长入替，跟警探互相指责对方种族歧视，破除了当地的传统，让警探也是孤独的，变得偏执；母亲和警探，代表了失去话语权的小众群体。

当然也还与圈子格格不入的亚势力群体，比如同性恋广告小哥，被施暴；还有小恶魔饰演的侏儒，被嘲笑，他们也是孤独的。

当小恶魔面对同样孤独的母亲表达感情时，最终也失败了，悲伤情绪溢于言表。

而就像前夫的那位花瓶现任，身无长物，但就因为她是“圈内人”，才敢作威作福，用一堆大道理大肆嘲笑边缘小众群体。

警长之死要说警长，可以说是全片中最偏执的一位，也是唯一一个明白人。

他是圈子之外的，但他并不孤独，因为他是全片中，唯一一位家庭幸福美满的人。

身为警长，属下什么样、这个镇什么传统他肯定知道，他也想抓住坏人，但无能为力，因为这个圈子就是这样，乌烟瘴气。

所以他一直想要逃离这个圈子，回到家中与妻儿才是他最幸福的时候，无奈这位身患绝症活不了多久了。

他选择了自杀。

其实他完全可以不必要这么做，但他明白，只有自己的死（自杀），才可以破局，打破圈子内的既定秩序。

所以警长之死的原因，一方面为了免受病痛的折磨，另一方面他用这种方式要改变这个镇子的现状，所以他留下了三封信。

这是一个非常戏剧化的设定，三封信之后，一切都变了。

黑人警长来了，警探开始尽责了，母亲也不再偏执了，为什么是这样呢？

真的是警长之死让他们有愧于之前的行为吗？

并不是！

有原则的他们并不孤独其实熟读三封信的内容，就能明白，信件并没有改变什么，只不过是一个催化剂，真正完成变化的，还是在于自己周遭事物的影响。

偏执也好、孤独也罢，终究还是有原则的。

“原则”是马丁·迈克唐纳电影中角色的一贯特点。

就拿我非常喜欢的那部《杀手没有假期》来说，这是马丁·迈克唐纳长片处女作，个人认为从故事编排上，要好于《三块广告牌》，但内涵不如本片深入。

在那部电影中，再穷凶极恶的杀手，也是有原则的，要杀的人必须死掉，杀错了人就必须受到惩罚，所有角色的行动指南，都是建立在本分的原则之上，本片也是一样。

★尽管以前没有尽到母亲的责任，但她还是一位母亲，她会为女儿的案件付出一切代价，怼天怼地，放火烧警局，这是一位母亲的原则。

★尽管以前劣迹斑斑一身臭毛病，但他还是一位警察，那份卷宗一直在他桌上放着，甚至要从大火中救下卷宗，为了偷得DNA还挨顿揍，这是一位警察的原则。

而且，他们发现了，自己并不孤独。

母亲被找上门的前夫问责，儿子挺身而出，站在母亲的这一边，让母亲觉得，这个世界上并不是所有人离我远去，还有人为了自己，包括自己的儿子，甚至小恶魔。

警探受伤后，跟广告小哥在一间病房，后者选择原谅了他，回到家中，继续跟母亲扯淡，让他觉得，这个世界并不是所有人针对自己。

假如他们依旧自暴自弃而没有原则的话，以上这些故事都不会发生，他们依然还是会孤独且偏执下去。

所以依旧不难理解结尾之处，两位怼了整部电影的二人，一同座在车中准备去“复仇”的设定了。

因为他们有原则，身为母亲、身为警察的“原则”，让他们并不孤独。

电影第三幕，残酷的现状中，却有着些许温暖。

整部电影，饱含着愤怒、失落、悲伤和孤寂的情绪，当然还有台词和情节设定中的黑色幽默，到了最后，却有了温暖。

《三块广告牌》的故事，所有角色的动机和行为，都有有着前因后果，从而令观众完成情绪上潜移默化的转变。

好比，这部电影在大部分时间里，用黑色的手法，让人感受到现实的绝望和冷酷，却在最后10分钟内，感受到了希望和感动。

这才是好故事、好电影。

“好人难寻”广告小哥看得那本书《好人难寻》，我看不少评论中都提到了，这里简单说下。

这本书的作者弗兰纳里·奥康纳，美国南方作家，带有美国南方文学的显著特征：浓厚的历史意识、细腻的心理描写和怪诞的人物形象。

“好人难寻”这句话原是圣徒耶路撒冷的西里尔的箴言，他认为通向精神生活之路必须经过恶龙，这些龙可能把你吞噬掉。

所以奥康纳认为，通过暴力可以改变一个人，例如《好人难寻》中的沦落人就是这样。

向陌生人施加暴行使许多“沦落人”表示了愤怒，但他们同时又对促使他们愤怒的根源无动于衷。

该书其实描写了好几层现实问题，这部电影《三块广告牌》也是一样。

回溯电影的故事，所有事件和角色转换都是通过暴力事件完成的，家暴、放火、施暴、甚至自杀。

PS，山姆·洛克威尔是我非常喜欢的一位演员，从当年《霹雳娇娃》里的大反派，《绿色奇迹》里的杀人狂，再到后来的《月球》中的复制人，外表一副痞痞的样子，但演什么像什么。

其实这位当年是钢铁侠的第一人选，试镜效果极佳，导演乔恩·费儒铁了心让他演斯塔克，但档期这位档期调不开（当时他应该是在演《对话尼克松》），再加上漫威宇宙那边时间不等人，所以找了小罗伯特·唐尼，后来导演不死心，又让他演了《钢铁侠2》里的军火商。

所以，如果当时他真的演了钢铁侠，效果如何不得而知（我觉得就凭这位的表演，肯定不会差），但起码会大红大紫，但也会失去演这些精彩角色的机会了（加入漫威宇宙之后，档期基本满了），福兮祸兮？

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