摄影机不要停！

这是一部风格非常日式的电影，拍摄风格和表演风格。

在即兴演出的状态下能保持这样的水准就非常厉害了。

而且由于这样的即兴演出，反而让第一幕剧情真实感更强。

而8分10秒前后一段看似尴尬的表演其实是，演员在即兴演出下能有的非常不错的发挥。

能从表演中看出非常扎实的舞台表演基本功。

而且层次非常好，在每层镜头面前的表演都处理得很细腻。

主要演员们的演技没有一个是不好的。

18分钟，摄像机的镜头功力非常专业。

27分钟，秋山柚稀长达一分钟的尖叫，非常好的精神崩溃边缘状态。

这个专业能力真的好到让人感动。

我觉得称赞一个演员是专业的，那是一种最高认可。

这个女演员就是专业的。

30。

20，秋山柚稀这个表情非常好。

31分三十秒，这个摄像机的镜头非常好。

有些看似在第三幕中出现的“失误”有可能是故意的。

36。

20，这个长达一分钟的状态保持是非常累的，秋山柚稀表现依然很专业。

37。

10，这个转场非常好，日式的转场都很细腻。

一个良性的电影制作流程就是应该这样，制片方先决定好提案，然后决定导演。

导演决定拍摄风格，商议剧本。

根据剧本选演员，排练，最后拍摄。

38到40。

是第一幕的causa。

40。

30，给了大量线索，也解释了第一幕是什么。

心比天高的人往往郁郁不得志。

46。

00，演员出场。

记住，这些演员本身也是这部电影的演员。

在不同的镜头层数间，表演的层次感非常分明。

都是非常好的演员。

制造麻烦的人要勇于替换掉，但前提是能找到更好的。

49。

30，长屋和彰性格塑造十分成功。

演员的层次感很强。

演员确实需要，也有权要求剧本的调整以符合人物逻辑。

50。

07，这名演员的整个醉酒状态和僵尸状态也都是表演，非常到位。

这种剧中剧的剧本非常狡猾，它在第二幕中塑造一种真实感，和第一幕形成反差，由此会对第二幕深信不疑。

其实第二幕仍是戏剧的一部分。

第三幕开始前，第二幕尾声把剧情推向高潮的方式非常日式。

第三幕其实是由两组拍摄剪辑的，其实也是表演和影片的一部分。

由于加入了即兴表演的概念，所呈现出来的效果，使第一幕的效果更好了。

即兴应该是真的，但是为即兴的部分给出了理由。

末尾又有一段廉价电视纪录片风格的结尾，让人仍然怀疑哪些部分是真，哪些地方是演。

前几天看到影院推特转推了一则导演的澄清文，大意是“影片受剧团PEACE的舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」的启发，但个人还是认为影片是自己的纯原创作品，希望和剧团的冲突能得到完美解决”。

于是去查了一下，原来是剧团PEACE的主理人上杂志指控影片并非原创。

经过查看多方的报道和相关人士的博客，整理时间线：2011年，舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」首次上演。

2013年，舞台剧二次上演。

其中一场，「摄影机不要停！

」影片导演作为观众观看了本剧。

2014年，剧团PEACE解散。

2015年，「摄影机不要停！

」影片导演和之前早已熟络的剧团成员B开始了舞台剧电影化的企划。

后邀请舞台剧编剧之一的A，撰写电影版剧本。

然而之后企划不幸夭折。

2016年，在新制作人的加持下，企划由导演一人为主导再开。

导演只向和舞台剧版本实际并无所有权关联的B表达了“想继续做电影版「GHOST」”的意向。

（B大概是“同意”了）2017年，电影制作完成。

完成后，导演才向舞台剧编剧之一的A表达了“加上署名了”。

然而A表示，在剧本被重写到实际拍成电影的过程中，完全没有任何为获取许可的联络。

实际电影上映，A和B署名的位置在“企划开发协助”一栏中。

2018年7月下旬，剧团主理人观看完电影后，联系电影方想要得到署名，得到的回复是“虽然一开始和A、B一起创作，但企划夭折后，最终做出来的是完全‘另一个东西’，所以没办法列入「原作」。

假如作为参考的作品都要署名的话，三谷幸喜的作品也有必要加入「原作」的行列”。

后来，主理人又和电影制作人为代表的电影方进行了面对面对话。

适逢电影宣布扩大上映，电影方以当日不得不说定署名问题为由，最终提议以「原案」而非「原作」署名作为第一步，后期再判断是否为「原作」。

结果是，扩大上映版时的片尾，加上了“原案：剧团PEACE「GHOST IN THE BOX！

」（编剧：A 导演：和田亮一）”的署名，并在特别感谢一栏，加入了剧团主理人和田亮一的名字。

电影方之后联络说，最终整理判断的结果只能是「原案」，并发来一份“原案利用契约书”，其中规定剧团主理人将不再拥有对自己创作的原版舞台剧进行电影化、再舞台化等再制作的权利。

2018年8月21日，剧团主理人实名接受周刊杂志「FLASH」采访的报道公开，关于「摄影机不要停！

」非原创的指控正式浮于公众面前。

问题的关键也明确到，究竟是“原作”还是“原案”的选择中。

（从这儿开始到最后均为深度剧透，后果自负）____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________虽然现在已经是不太可能看到原始舞台剧了，但原舞台剧的大致情节设定、形式构成等等都能通过舞台剧评分网站的评价窥见一二：在一幢废弃建筑的2层，突然一名年轻女性被杀害。

然而马上揭晓，其实这是某大学的电影兴趣小组在进行电影的拍摄。

此时，加入了生物学研究员、废弃建筑摄影爱好者、小说家。

生物学研究员说起了，这儿曾经被用做人体实验的场所。

紧接着，就发生了各种诡异的杀人事件，其中很多是不符合事实逻辑的杀人手法，直到杀到最后揭晓了元凶。

前半的恐怖推理剧结束。

舞台重新布置，场所改成了这幢废弃建筑的3层，各种刚才出现过的人物、没出现的人物进进出出，原来刚刚的带着恐怖色彩推理剧是真正的电影摄影中的一个镜头。

在不同的场景下，把刚刚发生过的一切从头再现了一遍。

然后就解释了恐怖的怪声是怎么来的，又发生了哪些突发状况，以及对应的工作人员、演员的即兴发挥，还有那些不符合事实逻辑的杀人手法的揭晓。

后半喜剧风格，全剧结束。

____________________________________________________________________________________废墟，传言曾进行过人体实验，剧中剧，前半成品后半解密，前半恐怖后半喜剧。

据剧团主理人所言，还有一些台词，标题的这句“摄影机不要停”也是舞台剧的台词中有的。

最开头女演员大喊“求求你，不要不要”导演喊“cut”，来说明背景是电影拍摄的桥段，也是重合的。

如果若干设定上的相似还可以勉强忽略不计，那构造上的相似度之高，实在是令人感到遗憾。

其实如果只是剧中剧，在影视作品中也很常见，但连剧中剧的呈现形式、内容也都是电影拍摄中发生事件，这剧中剧的重合度也未免太高。

不同的是，把推理剧改成僵尸剧，成品的电影改成直播节目，多添加了家庭成员的励志背景。

改成直播的形式，倒是可以说借鉴了三谷幸喜的「广播时间」，当然广播是不够冲击性，于是就有了电视直播节目。

电影最有趣的，莫过于影片构造，相信也不太会有人最喜欢的是僵尸、励志元素。

影片中非常多的“状况”，应该也都是原创居多，但这些原创的部分并不能印证作品整体的原创性。

还有一部分值得称道的，是影片呈现出了影像的魅力，但可能正因为是电影而非舞台剧，所以才带来了舞台剧无法很好呈现的更多重的影像魅力。

____________________________________________________________________________________自事件曝光，当天导演和制作方就发文否认。

从开始交涉到现在，我们可以看到，他们的主张无非是，“只是受启发，并非照搬”“最后的电影和原舞台剧是完全不同的”“这算原作的话，三谷幸喜的作品也要算（潜台词大概是三谷都没找我，你也够资格来找我？

）”“我导演、编剧、剪辑，是我纯原创作品”。

电影粉丝也纷纷指责剧团主理人碰瓷、眼红、想钱，并翻出他的黑历史来洗白电影方的盗作疑云。

说到底，是不是算、能不能算「原作」，和电影作品好不好没关系，和是不是你导演、编剧、剪辑没关系，和维权方的初衷和过去更没关系，还是要各维度比较两者的相似度。

是不是算，可能只有导演自己心里清楚。

能不能算，还要看接下来可能进入进一步协商，甚至诉讼的结果。

（媒体的主流倾向还是比较难界定，不看好维权成功）作为观众，我想在初步地比较两者后，每个人也有每个人的答案。

但不得不说，导演自始至终“纯原创”的说辞显然已经不太能站得住脚了。

对于导演的下一部作品的期待值，通过这次事件也只能下降好几个档次了。

原来电影还可以这样拍啊。

这部电影一开始给我的印象，是《听说桐岛要退部》那样的。

毕竟都有cult片情意结、都有讲拍电影，以及某种程度上的“戏中戏”设定，还都表达了对电影的热爱。

但其实两者的区别还是蛮大的。

《桐岛》中，拍电影只是故事的其中一条线，而《摄影机不要停》则是将“拍拍电影的电影”这一主题贯彻了全片，它没有像前者那样探讨年轻人无处安放的心结，而是纯粹地表现对电影的热爱。

电影最为人称赞的地方在于开头那一段堪称片场灾难的37分钟长镜头，不过在讨论这条长镜头之前，我比较想讨论电影的其它部分。

除长镜头之外，电影对人物的塑造也是相当深刻的。

其中最具代表性的是父女的故事线，这一条故事性的设置其实也涵盖了全片的主题，即对电影的热爱。

父亲是一个不算成功的电影人，拍过电影、访谈、MV，可以看得出来在繁琐的工作中，他对妥协是习以为常的，不强求演员真哭，不介意用眼药水，在对待剧组时也是尽可能的和颜悦色——就跟普通的中年上班族一样，被生活与工作磨去了棱角。

得不到女儿的认可，包括妻子也不认为他会接下“现场直播长镜头戏中戏”这样的工作。

从父亲在接到工作时的反应来看，他确实是不太愿意接受这份工作的（想必也是因为他知道要拍好有多难），但是为了让刚刚被赶出剧组的女儿开心起来，他最终还是接下了这份工作。

在筹备的过程中，父亲一直周旋在不靠谱的演员、诸多要求的录音师、棱角分明的男一号还有不能被颜“哔——”的偶像女演员之间，这个时候的他依然是如履薄冰，焦头烂额于满足各方需求的。

虽然此时的女儿并不会觉得他有多伟大，即便到了片场也还是会嫌他挡住了自己看男一号的视角。

女儿对父亲的认知是在直播过程中逐渐改观的，她发现原来父亲也并非总是那样的窝囊，他其实也不认可那些得过且过的技俩，也很烦自视甚高的艺人，只是为了生活和工作，他必须要将自己的愤怒掩盖在和颜悦色之下，只有到了镜头前，才得以毫无顾忌地将自己所承受的压抑宣泄出来。

（虽然还未到中年，但我仿佛也能够理解这种不得不舍弃自己坚持的心态）。

因此，可以说，父女线是作为与片场线这条明线相对应的暗线所存在的，在明线遇到冲突时补充解决方法（从一开始的妈妈代替演员，到中间女儿直接补完中断的剧情，都是起到一个化解冲突的作用），明线提供笑点，暗线推动剧情发展。

而最终，两条线在电影最大的冲突点，即直播将要结束之时汇到一起。

已经上头的父亲面对要求随意解决机位的制作人爆发了，女儿明白父亲也是真切想拍好电影的心意，也凭借着她幼时与父亲的经历找到了解决方案，在让电影完成拍摄的同时，也完成了与父亲的和解。

这是电影在剧作上的亮点。

另一方面，还有一个值得关注的细节：在电影拍摄的过程中，剧组各方是纠葛不断的，不管是诸多意见的男一号，还是向父亲施压的制作人。

但到了最后一个镜头，所有人合力搭起了人肉机架，坚持到直播结束——然后他们都疲惫不堪地，在笑。

这个过程中，遇到了太多的突发状况与麻烦，有太多的争吵与矛盾，但到了电影杀青的那一刻，大家都在笑。

我想起自己在一次端午假期的时候有去过学姐的剧组（天台戏）帮忙做录音，五月的深圳日光毒辣，两天下来我被晒成了红色。

但是我的心情还是比较愉快的——因为拍电影是一件会让人热爱且沉醉其中的事。

讨论完剧情，我们回到最开始的长镜头。

我很喜欢长镜头。

原因大抵是因为，拍摄一条优秀的长镜头意味着剧组全体人员的高度配合，过硬的运镜水平以及周密的机位及构图设计，很多时候还需要加上一些运气的成分。

（这里是否要cue一下毕赣？

）不过在《摄影机不要停》中，它并没有给我们展现一条优秀的长镜头：能把人晃吐的手持、莫名其妙的尬演、还有将镜头对准上楼梯的女主角的屁股（这样真的没关系吗导演！

）……电影开头呈现的这段37分钟的长镜头就观感而言实在称不上好，甚至可以说是“长镜头劝退教科书”级别的糟糕。

但当导演告诉我们，这是一个戏中戏的设定时，一切就变了：这条长镜头的全部纰漏都被补上了，它的一切不足都可以被归咎到状况百出的拍摄现场，也就可以理解成刻意而为的设计——换言之，它是一条完美的长镜头。

这是取巧，没错，但除了取巧，我看到的是对电影的热爱。

没有成本（不到18万人民币）、没有卡司（演员几乎都是十八线）、甚至没有技术——我们只是普通人，没有杨索或是卢贝兹基那样的惊世之才，但我们还是可以用自己的方式，拍下影史留名的长镜头，告诉观众，即便是普通人，也能够拍出伟大的电影。

我不是学电影拍摄的，所以估计看不懂优秀的点。

高分的原因我看不出来。

画面好，情节好，演技好，制做好的电影还有很多。

我不能说它是个烂片，不算烂但是也不值得捧啊。

任何一部片，都是别人用心血拍的，不过我想把时间用在别的片子上。

为什么要写够140个字才能发表评论？

我写不出来了啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊

周五的电影鉴赏课，学科老师带着我们科一百多人浩浩荡荡前往川崎的影院观看这部电影。

对于我们放送艺术专业的学生来说，这部片子太容易有共鸣和代入感了。

下午请到了电影的导演上田慎一郎先生给我们做了分享，他真的是个很可爱的人，幽默健谈，身上带着对电影的热爱。

是对电影的热爱，而不是对这个圈子的热爱。

他讲了几件有趣的事情，在这里与大家一起分享。

1，300万被大家津津乐道的三百万是必讲话题，上田桑说请演员没有花到三分之一的钱，大部分演员都是他的朋友所以甚至有无料出演的。

（当然也想请广濑丝丝这样的，但一天就要好多钱 可爱的导演如是说）大家记得那个哇哇大哭的婴儿吗？

那是上田桑的儿子，当时是三个多月大。

片中导演住的房子，就是上田桑自己的房子。

服装更是大家自己用剪子剪一剪弄弄脏做出来的。

特效化妆也没有投入太多。

2，8天拍摄、6次一镜到底仓库的拍摄一共耗费八天三十多分钟的一镜到底一共拍摄了六次，因为总有化妆来不及了，演技卡壳了，摄像跟不上等等。

值得一提的是第五次的拍摄非常完美，丝毫没有出错。

但上田桑想要保留那种没办法第二次复制的东西包括小失误，因为这样更加真实，太完美反而没有趣了。

3，请务必要看的电影因为有同学提问希望上田桑推荐一些希望我们看的电影上田桑打太极，“那很多的啦”最后居然是《关于莉莉周的一切》4,上田慎一郎上田桑说自己没有上过电影的专门学校或大学。

几年前欠债两百万，无家可归。

遇到很多的不如意事。

但没有改变自己喜爱电影的事。

被问起为什么想到要拍这样的片子时，他也说“这次就是想做自己喜欢的东西。

”在课的最后，老师请他为我们留一句话，他告诉我们，20几岁的时候要去经历去失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。

“因为喜欢就去做”是件不容易的事情。

如同这部片子一样，上田桑用最最直白的方式告诉每一个人，我就是喜欢拍电影。

尽管你要面对很多你无法预料，心力交瘁的事情。

尽管有要求奇葩的投资方，太有想法的演员和太没有想法的演员，麻烦又不规矩的群演，尽管你使出浑身解数成片未也未必有很高的质量。

尽管拍电影的过程不是一件有趣的事情，但是一件热血的事情。

如果你也喜欢，也有一片赤诚之心，认真又投入，那么请努力去经历去失败，努力将一切转化为你的能力你的武器，让摄像机不要停吧！

最后附上可爱的导演sama

左为我们科主任 右为导演上田慎一郎好想要导演的同款T恤。

最后大家一起合照了，然后上田桑说 请大家一起做一个丧尸的动作吧

电影讲述了一个标榜“快速、便宜、草草了事”，日常靠拍综艺再现VTR生活的导演，接下了僵尸频道开局的特别电视剧任务后的故事。

电视剧只有两个要求：一是三十分钟直播；二是只用一台摄像机一镜到底。

从试读会开始，导演便不断地让步：不想被呕吐的女主，对剧本钻牛角尖、指手画脚的男主，要用眼药水的哭戏，调情的男女演员...正式拍摄的时候状况百出，甚至在最后被要求放弃结尾的重要镜头时，他也仅是被反问一句“谁在看？

”而差点答应。

苦笑

无奈在故事的最后女儿帮助了导演父亲一起完成了坚持着的结尾的镜头。

片中女儿会为了追求真实感，希望演员不要用眼药水。

哪怕是连导演都不在乎的情况下，她也会为此不惜和演员争吵。

她会在父亲劝她为了生活要学会让步的时候，狠狠地把眼药水砸向父亲。

争吵与女儿表现的不同，导演父亲在片中更多的时候是一再的退让、不断地妥协。

机械般地拍摄VTR，演员甚至不知道自己为何哭泣（用的眼药水），导演连画面也不看就OK了。

可能从标榜“快速、便宜、草草了事”的时候开始，他就放弃了挣扎。

他的热情与追求，虽然看似早已被生活与现实消磨殆尽，但其实他只是把这些东西压在了心底。

于此同时还为他们上了无数把锁，一是为初心留一片净土，二是怕这些躁动着的情愫浮上心头。

既然做不到，那就不要想。

彩排但在这一次史无前例的尝试中，他却对着镜头喊着“摄影继续！

摄像机不要停！

”。

他锁着的野兽被放了出来。

所以哪怕是演员缺席、喝酒醉倒、拉肚子、暴走；还是脚架损坏，道具不够，他都不肯停下摄影机。

在摄影机面前，他骂女主角的人生充满了谎言，他凶男主角说不要对自己的剧本指手画脚，他跑上跑下解决各种问题，最后像儿时一般托起女儿完成了拍摄。

电影的结尾他笑了，这个笑容虽然是第一次见到，却总给我一种似曾相识的感觉。

好像看到了在十几二十年前，他第一次完成拍摄时的样子。

笑电影里除了这对父女，还有许多工作人员也在奔跑着。

是摔倒了也立马爬起来追上去的摄影助理，是在演员拉肚子的时候给他上妆的化妆师...他们哪怕沾满了血浆，浑身是土，也在不停地奔跑着。

跑他们对电影的热爱不是举着大旗，喊着口号“我爱电影”，而是真真切切地付诸于行动。

正是因为他们每个人都对电影负责，所以哪怕是意外状况一个接着一个，自己的那一环也决不能不能落下。

如果不是这份热爱与责任感，在第一个意外出现之时大家就可以说着无可奈何草草结束。

正是自己已经拼尽了全力，在电影完成之时才能笑得如此安心。

笑“摄影机不要停”是片中导演的决心，是导演对自己的喊话，所以他充满了力量，勇往直前。

即使这样，当负责人、当现实问他“誰が？

”，问他谁在看的时候，他竟无言以对。

这句“誰が？

”也让我想反驳却无话可说。

作为观众，我们真的把这些人的努力看在眼里吗...当越来越多的人只看流量，那些默默坚持着的人的努力又被我们放在了哪里呢...在抱怨越来越多“快速、便宜、草草了事”的同时，是不是也要反思一下是谁熄灭了他们的热情...愿喊着“摄影机不要停”的人都能一直拍下去。

カメラを止めるな！

这部电影我是在2020年春节前一周观看的（爱奇艺独播）。

在看电影的前30分钟时，我就想到如果提前告诉观众耐心等待，这样的剧透反而不会影响观影体验。

确实有些观众对于前三十分钟一镜到底的直播毫无耐心，不知道电影后面藏着怎样的惊喜。

反正我是看出导演埋下了伏笔，肯定会交代幕后的故事。

这样我就自然对影片后面有了一个悬念期待，虽然导演并没有故意制造出悬念。

影片叙事的铺陈在戏中戏《One Cut of the Dead》开拍之前。

正式开始一镜到底的拍摄直播之前，我们的想象都无法达到“这部电影是如何拍出来的” 。

感觉的形成自然而然受到屏蔽，好像有一道“无知之幕”天然地将观看者与幕后拍摄者隔开。

因此本片在30分钟过后就一层一层拨开了幕后制作的各个环节。

每一个环节其实都超出了观众原来的想象。

这时才形成感觉，会有“原来如此”的恍然大悟的感觉。

影片最后三十分钟里有突发的事件发生，也是由于突发事件推动了整个《One Cut of the Dead》的拍摄过程变得惊险刺激。

这也是无法剧透得知的。

一定是观众对电影有了代入感，感同身受后理解了开头的三十分钟才会觉得后面三十分钟特别刺激。

是刺激点把前面的铺垫给串了起来。

一部好电影是不怕剧透的，所以我在这里简单的分析一下《One Cut of the Dead》这部伪丧尸片：首先这是一部电视秀，受众是很有限的。

其次这部电视秀表达的是个体的主观感受：在废弃的工厂建筑里遇到生化危机，然后逃离丧尸的攻击。

至于为什么会有丧尸这种问题，则不予回答。

电视秀这种节目形式不会浪费时间把相关的世界秩序向观众娓娓道来。

观众通过特别的一镜到底的直播体验成为戏剧的经历者，观众的视角化身成为第一人称，与女主角经历一波同样的生化危机。

这时的女主角就是这个有丧尸世界的对痛苦的反应者，观众是对痛苦者的反应的观察者。

又由于观众是对着电视机屏幕进行观察，是安全的，并不会在视觉效果以外体验到血腥，观众其自身也不会指导女主角的行动。

直播《One Cut of the Dead》这场电视秀本身是把滑稽提高到了荒诞的高度。

十万倍地放大普通的害怕到恐怖的程度：尖叫，尖叫，失控般的大声尖叫，砍头，断臂，血浆飞溅。

急剧刺激人的视觉感官。

而与之对应的又是嘲弄了在看观众的机智；突如其来的结局把怪异的追杀变为无法自圆其说的神秘。

在《One Cut of the Dead》的幕后制作剧情中，又进一步揭示了灵感，自发与个人情感都不是拍摄直播过程中的主导力量，而是导演的技巧与剧本在发挥作用。

导演与剧组所有人都排练过多次，就算临时出了意外，导演亲自上阵，按照剧本的编排也可以完成直播的拍摄。

而导演在幕后所做的一切幸苦努力也只是保证了直播拍摄顺利，给看到了直播的观众提供了乐子。

我叫日暮隆之，是一名靠拍摄综艺VTR和卡拉OK视频过活的小导演。

外出拍片不易，为此我用“八字方针”来概括我的业务能力：“迅速、便宜、质量尚可”。

所谓“爱一行干一行”，即便混得一般可我仍喜欢靠着这通俗易懂的制作理念，也算有活做，有饭吃，甚至还有回头客。

比如这位制片人，竟要我拍“一镜到底”丧尸片做开台特别篇？！

好吧，既然“甲方爸爸”开口，我自然要满心欢喜投入创作(毕竟没人敢接，毕竟还是一镜到底)，但谁能想到，这个叫《一尸到底》的短片，从开始就是个坑爹货！

只是微微皱眉的我，哪特么知道接下来的一个月有多要命……

[摄影机不要停！

]01筹备阶段再荒诞也得设计成年男人的痛苦之一就是不带工作情绪回家，对工作的低三下四，让妻子总觉得我怂，没追求，算了也懒得解释。

但和女儿的矛盾，才是我更要关心的大问题。

女儿一心扑在拍摄上(随我，美滋滋)，但就是不懂变通，口无遮拦，想到这儿，我就头大。

出发点是好，但这么直率……现在的孩子，难搞(香菇)不过谁知道，家庭这点小事和剧本研读阶段这帮演员相比，简直……小巫见大巫。

女主角是偶像明星，据说一心想演丧尸片，可读了剧本，这也不想演，那段也要删……制片人还是她粉丝，为他演个动作就酥不行，说改剧本，立马同意，我还能说啥，咬牙默许被。

一个动作就把制片人拿下，找了个大靠山，可，还，行

说改就改，能不能不这么随便！！！

心里默念一百遍NMB，然后笑着说：好的男主角故作高深，强行意淫，丧尸片，非得扯什么种族问题。

他还和女主一个尿性，自己不理解的东西，就要改，2018年，为什么不能出现拿斧子的丧尸？

还摆个臭脸对眼镜男配角(拿斧子丧尸是他的角，哎)，人家招你惹你了，我招你惹你了？

装你个大头鬼咧还有不喝酒就手抖的酒鬼；喝硬水就拉稀的光头男，带娃来读剧本的女二号，对女二号眉飞色舞的男二号……谁能跟我说说，我为啥摊上了这么奇葩的剧组！

研读第一天就暧昧成这样，真是短片未动，八卦先行

又是照顾娃，又是酒喝多打翻水瓶，戏还能再多点

更别提一直哭作背景噪音的娃娃了，第一天剧本读成这样，我，我挺着被

至于剧本……改咯到了解说剧本时，原以为工作终于能步入正轨了，可……摄影师腰部居然有病，不能长时间玩手持，闹呢？

这是。

师傅傲，助手俗，师傅病，徒弟……顶，要跪可算室外模拟了，丫的男主角还是坚持要删掉眼镜男拿斧子砍人的剧情，人家红，又不能硬怼，只能再商量商量。

女主角哭戏没眼泪，想借助眼药水，只拍一次哭戏而已，这都哭不出来……罢了，罢了。

男二和女二又在那你侬我侬，光头男又在确定自己拉肚怎么办，酒鬼还在那立誓不喝(信你才怪！

)……

我能怎么办，咬牙坚持被，谁叫木已成舟……02拍摄阶段牙咬碎也得完成干了这么久，也算见识了，头一次遇见这样事多的剧组，自己又不能强硬，生活之苦啊。

大男人还不能明着哭哭啼啼，只能自己呆在小角落，看着女儿小时候照片，静静地流泪，静静地……发泄。

尴尬，还让老婆见到自己懦弱的一面……哎，一言难尽好容易，终于熬到开拍了，妈的，只要过了这一天，就万事大吉，收钱走人了。

说实话，就算再郁闷，还是有精神去做，毕竟……热爱千叮咛万嘱咐，一旦开机就不会停，为了不出错，特地把庆祝用酒藏起来(你都没见酒鬼那贪婪的眼神)……可就这样还是出错了，擦！

先是光头哥，拿错了水瓶，喝了硬水……(这不是要拉稀)，然后男二女二合理出轨，两人一车，正常车祸。

然后再然后，酒鬼还是……偷酒去也，一句NMB，不知当讲不当讲。

好说歹说，千说万说，甚至把酒都藏了，都没个卵用

刚生娃就外遇，一个字，厉害(NMB)改不了剧本，临时也找不了演员，制片又强调视频必须拍，关键时刻……还得靠自己，和一演戏就疯魔的老婆(要命……)。

所谓喝凉水也会硌牙，指的大概就是现在

瞅啥，问题还不是得靠我这个导演解决至于方法，其实也简单，我和老婆一起演被。

老婆能演，其实是女儿执意要求的结果，当然也是没办法的事情(= =)。

遥想当年，老子就心悸啊！

尽管百般不乐意，但只能走一步算一步之后开拍，就简单了，只要摄影机不停，只要不穿帮，一切OK！

讲真，自导自演还是挺紧张的而我也能借着演戏之名，大吐苦水，哈哈，甚好。

你说不用客气，那就不客气咯

告诉你会好好拍的，就一定好好拍

当然咯，老子这是本色出演，真情流露

这段戏，甲爸爸也说好呢(还不是我骂的好)爽完后，似乎又干劲十足，当然破事还是有的，解决也是要解决的。

酒鬼喝多不能演，那就我帮他演，只是可怜了眼睛男(因为是真吐，呕)

如此瞎搞，甲爸爸居然还觉得行，我也是有点意外

更没想到，光头男拉肚罢演，也能出效果，再被赞扬(哭笑不得脸)光头男拉肚而差点破坏一镜到底，但我又能说什么呢，毕竟人家马上就要拉裤裆了。

幸好，女儿帮了大忙，让剧情得以衔接。

这时候没时间管他是不是在拉屎了，直接就化妆不过，最开始担心的事儿还是出现了，老婆再次入戏太深。

这个时候，我真是有点紧张又崩溃

我说女儿啊，你这个提议是真靠谱啊先是毫不犹豫一巴掌打懵了男主，接着又要砍女主，我在一旁看得是心惊胆战。

啥时候瑟瑟发抖，就是现在啊，哎我天这时候她居然还体力大爆发，接连把我和眼镜男踢到(第二次还踹中我命根……)。

幸好最后老子勒晕了她，但代价是摇臂坏了，额……(很想骂娘有木有)没摇臂就不能俯拍地上的血咒，不能拍血咒，视频就不完整，整个努力就他娘的白费！

这制片人真水啊，就剩5分钟，瞎特么搞啥最后关头还是女儿给力，在没有摇臂的情况下，想到了用人梯搭摇臂出来，顺利搞定。

也是这一刻，我终于对着傻逼制片人爆发，但介于是甲爸爸还得认怂，不过那份对艺术的追求还是感动了女儿(只是有时候迫于生活，你懂)。

先吼，再道歉，面子不如钱子重要，就这样

最后镜头按要求拍完，我也就不在乎制片人的白眼了不过呢，剧组的狗屁事，怎么都抵不过女儿的笑脸，与她和解，也算这《一尸到底》没白拍。

结局自然也是开心的，双重喜事嘛03摄影机不要停什么鬼？！

虽然《一尸到底》告一段落，但后来我仔细一想，觉得这苦，不能我一个人憋着，怎么也得告诫新人，怎么也要娱乐观众。

So，一部名叫[摄影机不要停]的电影新鲜出炉。

只不过……我，这次没有按套路出牌：电影刚开始，一个摄制组在传闻丧尸出没的工厂拍摄，他的导演是神经病(你知道是怎么事)，他的演员深受其害(你懂，他们，该)。

再一次NG后，导演发飙，拍摄停止，大伙正缓合心情，没想到真的丧尸袭来，它咬伤了眼镜男，尸变了光头男。

摄制组危在旦夕，导演这时却发狂，激情拍摄。

最终女主不堪重负，凶狠蜕变，杀了自己的丧尸男友，剁了疯子导演(并没有)，满身是血站在召唤的血咒，痛苦彷徨。

接着，嘭，画面一转，一个月前。

这时，你一定在想，这啥情况？

不是丧尸片么，怎么一个月前，难道要说前情。

没错是说前情，不过却是另一种前情，那就是我的苦逼剧组岁月，我的擦屁股岁月，《一尸到底》的幕后故事。

哈哈，讲真我很佩服我的脑洞。

至于各位看官你们，博君一笑，仅此。

文：LOGO李文章源自微信公众号：电影解毒

1999年，盛夏。

一部不起眼的低成本恐怖片在美国的27家影院上映，由于反响十分激烈，影院数在第二周直接上涨到1100家，这让制作方与拷贝冲印公司忙到焦头烂额。

该片成本仅6万美元，却在全球创造了2亿5000万的票房。

将近4000倍的投资收入打破了所有的影史记录，那些传统的电影工作和好莱坞制片人为此大跌眼镜。

它就是震惊影坛，撼动好莱坞传统理念的《女巫布莱尔》。

同年8月，该片的两位导演双双登上了《时代周刊》封面。

只是他们没有想到，在19年后的日本，一位叫上田慎一郎的年轻人带着一群人，同样复制了他们的神话。

1正片VS花絮2018年，初夏。

日本东京的两家艺术影院放映着一部关于丧尸的恐怖片，不料上映几周，口碑迅速发酵，放映规模扩大到全国的150家商业影院，堪称年度现象级爆款。

要知道，它的成本仅是18万人民币，比《路边野餐》还少了2万元，却有着惊人的1:1000的收益回报率。

它就是《摄影机不要停》 。

电影开场就是一镜到底的丧尸片，甚至最后还像模像样的出现了片尾字幕。

不明真相的观众定会以为电影放完了，可让我们看下手表才发现只是过了37分钟而已，到底是怎么回事呢？

原来该片分为两部分：前半部分是“丧尸正片”，后半部分是“幕后拍摄过程”。

而幕后花絮则是不断的在解构正片，为我们揭晓前面正片出现的拍摄事故和拍摄技巧。

看到后面你会发现，前戏根本没有按着剧本走，完全是脱节的状态，原本是一出无比正常简单的丧尸剧，却在后面的直播过程中状况迭出，彻底失控。

比如“导演”突然愤怒的咒骂男演员，“导演”老婆莫名其妙地做出带有“彭”声的防身术动作，光头小哥一再地想出去却不说原因。

这种捧腹大笑的幽默感，不仅得益于创作者超强的逻辑思维和编排能力，更来源于本片无视传统常规的拍摄手法。

2摄影机VS观众它完全采用头悬目眩式的手持摄影和急推急拉的复古拍摄手法来表现丧尸的紧迫感，再配上演员浮夸到极致的表演，简直就是对好莱坞B级恐怖片的完美戏谑。

电影还出现演员冲着镜头说话的场景。

甚至上演抹布擦镜头的好戏，简直令人瞠目结舌。

电影从1895年诞生至今，就是在不停地弱化摄影机的存在，以便让观众有一种身临其境的感觉。

可《摄影机不要停》却反其道而行之，无时无刻不向观众灌输“摄影机始终存在”的理念，这种“间离”的手法在法国新浪潮时期用的最为纯熟。

新浪潮运动的领头羊——戈达尔在《筋疲力尽》、《法外之徒》、《女人就是女人》等作品中，一再疏离观众和电影的关系，他认为观众应有自己的选择，这一理念同样也在《摄影机不要停》中体现。

它有别于其他传统叙事片一贯牵着观众鼻子走的习惯，而是将主动权完全交于观众手中，让观众去回味电影里的每一个“点”，就像是探宝游戏一样，不停地发掘正片和花絮之间的连接点。

这种不断发掘的过程，也是趣味性不断积累的过程。

比起特效堆砌，容易引起审美疲劳的超级大片，《摄影机不要停》显得更为生动富有灵气，正是因为它在剧本结构上的无限探讨，从而产生一种余音绕梁的效果。

3齐心协力vs状况迭出不难猜出，该片灵感来源很有可能是三谷幸喜的《广播时间》和博格丹诺维奇的《大人别出声》，两者讲述的都是原本好端端的节目，因为现场状况不断，而被改得面目全非的故事。

《摄影机不要停》正是借鉴了前者的剧作形式，用戏中戏的外壳来包裹电影故事的内核：电影制作者的艰辛路程。

在《摄影机不要停》的后半部分，我们会看到剧中“导演”不断的在妥协，男演员一直在摆臭脸质疑导演。

女演员则为了自己的偶像包袱拒绝拍摄恶心戏份，拍摄哭戏也只想用眼药水。

这也侧面揭示了演艺圈的怪相，一些演员只是混混日子，毫无职业操守，甚至还在片场频频耍大牌。

这不禁让人联想起前段日子，老艺术家们纷纷斥责小鲜肉不敬业的事件。

但在最终的拍摄过程中，为了保证节目直播的顺畅，这一群凑来的剧组成员开始齐心协力，一起达成这项“不可能完成的任务”。

尽管现场状况百出：比如在现场烂醉如泥的大叔吐了别人一脸，入戏太深的家庭主妇拿着斧头追杀女演员，摄影师受伤只能由一个毫无经验的实习生顶上。

直到最后在摇臂被摔坏的情况下，众人搭起一个“人肉摇臂”，从而达到了电影的高潮。

这不仅是一次向电影的热血致敬，也让影迷重新找回那份爱上电影的激情和感动。

它有的只是随手皆拾的迷影精神，洋溢着对电影的热爱之情。

就像剧中“导演女儿”所穿的T恤，从《疤面煞星》到《出租车司机》再到《闪灵》，无一都是在表达对电影的由衷敬意。

导演上田慎一郎在采访中也说到：20多岁的时候要去经历失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。

他曾经背负百万债务，拍摄此片时也请不起大牌明星，成本能省则省，服装是大家用剪子剪一剪弄脏做出来的，剧中“导演”一角的住所也是上田慎一郎自己的房子，而那个哇哇大哭的婴儿正是导演自己的儿子。

所以，我们从电影中看到的不是刻意取悦观众的戏剧性，而是一种弥漫其中的迷影情结。

而《摄影机不要停》也旨在说明一件事：如果你想拍电影，只要足够喜欢，大胆地拍就好了！

正如苏珊·桑塔格所说：如果迷影死了，那么电影也就死了。

是的，迷影万岁！

电影万岁！

一部小众电影如果分很高那一定要警惕了，大概率是豆瓣里的一些学究派硬捧出来的，他们就喜欢无脑尬吹这种看似有“内涵”的电影，就一个一镜到底加双重反转就被吹成神作了，我看他们就跟看公园里打鸟的老法师一样，沉迷于技术的自嗨而忽略了实际产出，评论起手里的相机镜头参数头头是道，结果还是就拍个鸟的大头照